viernes, 31 de diciembre de 2010


Los mejores vídeos musicales 2010 (para mi)

Porque también en la música hay cine, ahora les dejo mi top 10 de los mejores vídeos musicales. Mis parámetros para elegirlos fueron principalmente por dos cosas, canción y vídeo, y factores como el gusto por la banda, o simplemente el vídeo se veía bien. A claro no todos los artistas me gustan, pero traté de evaluar siendo objetivo. Sí, está Lady Gaga.


Here Comes Your Man de Meaghan Smith
Un sencillo más que se desprende del soundtrack de 500 días con ella, aquí el vídeo no aporta nada, sólo la canción se gana su lugar. Por cierto a raíz del éxito del sencillo, Meaghan Smith realiza el vídeo de la rola.

Cousins de Vampire Weekend
El grupo me parece de los mejores de la escena independiente, que realiza vídeos muy minimalistas que hacer resaltar más sus canciones. Cousins, me pareció bueno por el ritmo de la canción, y que dentro del vídeo los integrantes de la banda se mueven –por medio de un dolly, en sus variantes in y out-- en sintonía con la música, mientras hacen mil actividades. PD. La camisa de las chivas con la leyenda de la lotería nacional fue lo más kish en todo el vídeo. 


XXXO
Digan lo que digan, M.I.A. es una artista trasgresora, propositiva y que le vale madre que reprochen  sus vídeos por su crítica social/política. Es el vídeo que se burla del mainstream musical, al darles en la madre con un sencillo clip realizado con en Windows movie maker, efectos especiales de myspace, acompañada de un lenguaje que hace alusión a la deformación de las palabras y simplificaciones utilizadas en el ciber espacio. M.I.A. demostró que puede hacer todo tipo de canciones, XXXO es un sencillo “correcto” para la industria musical comercial.
Sweet Disposition
La rola más movida de la película 500 días con ella, realizó un segundo vídeo de su éxito, por lo tanto entra en el 2010. Es un clip que quizá no tiene una historia tal cual, pero los efectos empleados me parecen muy buenos, la rola brilla por sí sola, que acompañada de la manera tan particular de “tocar” los instrumentos hasta te dan ganas de hacer lo mismo. Un puntazo por los buenos  planos detalle a cada objeto.

Crossfire
Brandon Flowers se desprende de The Killers para realizar su producción en solitario. El sencillo de crossfire, tiene toda la esencia del artista, así como todas las influencias del mismo, en una canción pegajosa y melosa. Charlize Theron lo acompaña en su primer vídeo en solitario, sólo eso vale el que esté en mi top.


Teenage Dream
Katy Perry me sorprendió con un disco bien hecho, canciones pegajosas y buenas letras (de admirarse porque ella las escribe). Teenage dream posee una muy buena fotografía en colores fríos, los cuales te evocan que todo lo que está pasando es un sueño.


Dogs Days Are Over
Es el grupo indie que goza con más auge en la actualidad, el vídeo es completo en todo sentido.  La canción es perfecta

Only The Young
Muchos me van a  juzgar de poco objetivo –al principio lo dije-- por elegir a Brandon Flowers por segunda vez. El segundo sencillo es realmente bueno, el vídeo posee una dirección de arte grandiosa, --muchos pensarán en Cirque De Sol después de verlo—pero lo que lo coloca en la lista es simplemente la canción.


Alejandro
Independiente de todo lo que he dicho de ella en twitter, el vídeo primer vídeo dirigido por Steven Klein es una hermosura. En primera contiene grandes metáforas sobre la iglesia y la homosexualidad,  y si a esto le agregas un sinfín de simbolismos de todo tipo. Alejandro  tiene una excelente dirección de arte y fotografía --era obvio--, una brillante dirección y todo esto concluido por la artista femenina más empalagosa de los últimos años, que si bien no es perfecta, ha logrado darle un giro a los vídeos metiéndoles creatividad mientras emplea el lenguaje narrativo de una manera correcta.


On Melancholy Hill
El regreso de los Gorillaz fue de lo mejor, Damon albar ha sabido sacar adelante el grupo virtual de la historia. Las canciones no sólo son pegajosas, sus vídeos mejoran con el tiempo, demostrando la evolución general de la banda. Este vídeo lo elegí porque creo que es el mejor de todos, además de que es épico ver a todos sus colaboradores del álbum caricaturizados. Iba a elegir el sencillo de Doncamatic, pero el vídeo no resume el trabajo de Plastic Beach.










Electrodoméstico el “bebé” que lleva diez años preparándose



Entrevista con los directores tapatíos del Cortometraje Electrodoméstico (Stop Motion), Erick De Luna, Pavel Ortiz y Sergio Velázquez.


Diez años han transcurrido para poder ver sólo unos segundos del cortometraje Electrodoméstico, y sólo serán 15 minutos los que pasarán para disfrutar más de una década de esfuerzos para tener un corto en animación stop motion. Durante todo ese tiempo ocurrieron muchas cosas, cambios de presidentes de la República, quizá los realizadores cambiaron de novia, pero después de cientos de cigarros consumidos dentro del pequeño departamento que adecuaron como oficina, ya por fin pueden ver los resultados de la gran paciencia y esfuerzo que los han mantenido. Hoy por fin los padres primerizos ya pueden ver el “eco” de su bebé que está por nacer. 

Parte de todo proceso de creación, los realizadores se enfrentaron con problemas de todo tipo, como la dificultad para la creación de algunos objetos necesarios para el corto, como una licuadora que les tomo semanas y la falta de dinero y apoyo institucional, que al final son lo de menos, ya que todo esto lo hacen por amor al arte, si no ¿De qué otra forma? 

Los personajes fueron hechos en Londres, en la misma empresa que hizo los personajes de "El cadáver de la novia" de Tim Burton.
¿Cómo surge la idea del cortometraje? 

Erick: Terminé de trabajar en Sin sostén en 1998 [Érick hizo los escenarios]. En 2000 tenía la inquietud. El guión de Electrodoméstico surgió en un taller de animación que doy en una preparatoria que se llama Signos. 

Don Mario
¿Por qué hacerlo en stop motion? 

Erick: Porque es hecho a mano, no me llama la atención el dibujo convencional, ni el 3D, de por si todo el día estoy sentado frente a la computadora. Esto lo hago por el placer de hacerlo. Ya que cada fin de semana nos reunimos para hacer todo esto, desde escenarios, hasta la iluminación. 

¿Cuál es la principal dificultad del stop motion? 

Pavel: No creo que tenga muchas dificultades como otras técnicas. La mayor dificultad es el tiempo que te lleva hacer una animación. Ya que, por ejemplo, agarrar un cacho de tóxica [material para realizar objetos] y empezar a moldearlo para hacer una licuadora te lleva un rato. No es lo mismo que estar frente a una computadora. Además viene la parte de animar, ya que para un personaje cobre vida es necesario estarlo moviéndolo cuadro por cuadro. 
Prudencio

Erick: El stop motion incluye particularmente la parte artesanal y la parte de piezas únicas. Si en animación 3D no te gusta cómo se movió el personaje sólo corriges una orden en la máquina y lo resuelve. En el caso del stop motion, si no te late el movimiento del personaje tienes que volver hacerlo desde un inicio. Aquí tocas lo que creas. Nos atrajo el hecho de trabajar con las manos y al final ver las cosas. 

Sergio: El stop motion es como algo parecido a hacer cine, pues trabajas con todo cuidado, desde la fotografía y la luz. Simplemente trabajas con el espacio real, y no con los virtuales. Aquí tocas lo que creas. 

Nosotros nos tomamos el proyecto como un hobbie de los sábados, que vamos un poco lentos, pero sabemos que los resultados serán satisfactorios, ya que nos está dando un bonito producto de gran calidad, donde en todo el proceso estamos aprendiendo y adquiriendo conocimiento que al final nos deja para lo que sigue, hacer una productora de stop motion. 

¿Por que crees que haya un auge del stop motion? 

Prudencio Vadillo (Eduardo Villalpando), Esther Carbajal (Vera Wilson) y Don Mario (Manzana)
Erick: Yo creo que a raíz del cortometraje Sin sostén (1998), el primer cortometraje que se hizo profesionalmente en Latino américa. Antes, sólo había stop motion en países como: Inglaterra, Canadá y Estados Unidos. En Sin sostén se involucraron una gran parte de los que ahora son directores de esta técnica: Rigo (mora), el director del corto y Juan José Medina, director del corto Jaulas, quien nos ayudaba a pintar los escenarios. De ahí se marcó un parteaguas en la animación stop motion y así Guadalajara desde hace varios años ha estado más fuerte el asunto del stop motion. 
Será lanzado en el 26 Festival Internacional de Cine de Guadalajara, oficialmente en Invierno de 2011
A lo largo de los 10 años que llevan en electrodoméstico, y que no cuentan con el apoyo de una institución, ¿Han tenido baches? 

Erick: El año pasado fue un bache, por estar solos y hacer Electrodoméstico a nuestro ritmo, pero eso nos agradó para hacerlo callados y escondiditos. Además de que gracias a eso, no somos considerados directores tapatíos por estar fuera del gremio, hemos aprendido a hacer muchas cosas con la experiencia y pagamos muchas novatadas; también teniamos una serie de fotógrafos que iban y venían. 

Sergio: Pero uno de los principales baches fue que en tiempos no era nuestra prioridad de ninguno de los tres, ya que cada uno tiene su chamba aparte. Electrodoméstico no nos da de comer. 


Sobre la historia 



Una pareja encuentra en los sustitutos una solución para sobrellevar su patética relación. Así, un pequeño y mimado perro se encarga de fastidiar la esperada cita a la que, día con día, asisten la televisión y el hombre de la casa.


Pretextando la legítima defensa de su mimada mascota, Esther descarga sus emociones contenidas en contra de Prudencio, su marido, sumergiéndolo en un permanente estado de servilismo y apatía. Pero esta vez el sonido del timbre llama a la puerta. Las cosas ya no serán de la misma manera... algo está por llegar a casa.


Con el nuevo electrodoméstico, el hombre comienza a contemplar las posibilidades del odio, las mismas que le ofrece el poder de tan hermoso aparato. A su lado será casi invencible; ya nada se opondrá a su torpe voluntad... pero la voluntad a veces nos traiciona.





Datos curiosos de  Electrodoméstico
-Se trabajaba sólo los sábados por la tarde, a manera de hobbie.
-Para crear un segundo en stop motion, se necesitan 2 horas de trabajo
-15 segundos se necesitaron 18 horas de trabajo
-7 meses para 15 min del corto,  es el tiempo estimado para terminar el cortometraje.
-Tienen como finalidad crear una productora “pulso producciones animadas”
-Hasta la fecha han pasado 3 fotógrafos
-Los personajes están basados en la parte rockera de Sergio uno de los realizadores.
-La mascota es la combinación de los dos personajes humanos.
-La historia es una sátira de una relación patética, donde cada personaje es un anti barbie y un anti ken.  


Links
www.electrodomestico.com.mx
http://www.facebook.com/electrodomestico.corto?v=info

jueves, 30 de diciembre de 2010


Los niños están bien, un retrato de la evolución de la familia actual.

Una película que brilla por su guión y las gloriosas actuaciones

Annette Bening y Julianne Moore como Nic y Jules, un matrimonio gay.


El cine catalogado como “gay” nunca me ha convencido del todo, para empezar la etiqueta, y por el otro lado, la manera tan superficial que tocan el tema de la homosexualidad y el enfoque que se toma. Sólo han sido dos cintas clasificadas como “gay”, que a mi parecer, se alejan de las etiquetas y de los temas simplones. Happy Together (1997) de Wong Kar Wai y Piel Misteriosa (Gregg Akari 2005), cintas que sobresalen por su narrativa y su bien estructurado guión. Hoy, tengo que agregar una tercera, Los niños están bien (2010). 

El trabajo de la directora Lisa Chodolenko,--que trata sobre una familia integrada por una pareja de lesbianas y el encuentro de sus hijos con el donador del esperma-- es un retrato de una familia “moderna”—que bien podría ser cualquiera-- reflejada sin amarillismo y sin buscar controversia. La directora y también guionista, evita caer en los errores que caen por lo general las cintas que tocan el tema de la homosexualidad, lo increíble de los niños están… es que la sexualidad de los padres nunca es el contexto de la historia, --éste pasa desapercibido—si no que muestra la semblanza de lo que puede ser una familia nuclear cualquiera y sus problemas con los hijos adolescentes, todo mostrado desde una perspectiva humana y magistral, quitando etiquetas morales y tabúes, la trama se siente natural, nunca forzada, y de ningún modo trata de educar a las masas con cuentos moralistas. 

El alma de la cinta es la pareja conformada por Annette Bening y Jualinne Moore, ambas interpretan al matrimonio gay de una manera magistral, mostrando gran química en cada escena en la que se relacionan. Juntas crean personajes humanos, sin llegar a ser sobre actuados, --cosa que pasa seguido en estos roles--. Bening, representa a la parte fuerte de la familia y en la que recae la conciencia de criar bien a los hijos, así como de las obligaciones, la actriz logra una actuación sólida y fluida como la líder de la familia, es notable su entrega en cada escena dramática. Por su parte Moore , consigue crear a la madre buena onda y confundida espléndidamente, cada diálogo que sale de la actriz convence por el sentimiento inyectado por parte de ella. El resto del elenco resulta ser agradable y cumplidor, Mia Wasikowska encaja perfecto en la niña correcta e inteligente, mientras Mark Ruffalo hace el mejor papel de su carrera como un aspirante a padre. 

Una película que brilla por su guión y las gloriosas actuaciones, cinta que busca desetiquetar las películas de temática al brillar por su contexto dramático y no por el tabú. Los niños están bien, es un retrato de la evolución de la familia actual.


Diego S.


Animal Kingdom, miseria y desencanto, tradición familiar

Película llena de momentos llenos de crimen, venganza, drogas y corrupción policial 
James Frechenville y Guy Pearce.

Muchas veces el personaje principal en las películas suele ser una maquinaria, que funciona perfecto tanto en conjunto, como por separado. Casos particulares como Los sopranos (2004-2008), y recientemente Inception (2010), ambas con un reparto que funciona como un engranaje al estar al mismo nivel de actuación y que posiblemente si alguno de ellos faltara, no sería lo mismo. 

Animal Kingdom nos traslada a Melbourne, donde J Cody (James Frecheville), de 17 años, se traslada a vivir con su abuela y sus tíos al morir su madre de forma repentina por sobredosis. El muchacho se adaptará rápidamente a su nueva familia que se dedica al narcotráfico y a los negocios turbios. 

La cinta funciona en gran parte por el reparto, el cuál cada uno de los integrantes carga una de las situaciones por las que atraviesa la familia. Hablamos de un reparto muy funcional, donde los actores supieron cumplir su parte logrando realizar una de los linajes más peculiares. La cabeza de la familia es la abuela (Jackie Weaver), una señora domesticada que haría cualquier cosa por proteger a sus cachorros sin perder la cordura, aún así, se trate del acto más descabellado. El cachorro mayor (Luke Ford) líder por su edad, más no por su inteligencia, aporta a la historia los momentos explosivos y de suspenso. Los hermanos menores, representan en la historia cada instante familiar, además de ser la poca cordura que le queda al linaje. Por otro lado se encuentra los agregados, el joven J Cody (James Frecheville ) y el exiliado tío pope (Ben Mendelsohn), el primero es la visión trágica de lo que queda de un reinado y se puede considerar la víctima, el segundo es sin duda el villano de la historia, que aporta cada uno de los giros inesperados en la historia. Todos nos dan varias personalidades y varias realidades para disfrutar, sin llegar a ser un minitrama, sino más bien una historia con varios conflictos mirados desde los ojos de J, el personaje principal. 

Historia cargada de miseria y desencanto, aderezada con lealtad y tradición familiar. Momentos llenos de crimen, venganza, drogas, corrupción policial y toda la red de tips que esto trae consigo. 

La película cumple con ser un drama de “el gato y el ratón”, técnicamente no posee nada relevante, quizá sólo la música que crea buenas atmósferas en los momentos claves. Si te gustaron The Town (2010) ó Gone Baby Gone (2008), Animal Kingdom será favorita en el género. Por cierto, es la apuesta fuerte por parte de Australia para los Óscar.

Diego S.
El dato 
Por la trama que maneja estoy casi seguro que pronto tendrá un remake, Hollywood gusta de este tipo de historias.

La bestia variable: Florence and the machine.

El grupo londinense que se dio a conocer por medio de los soundtracks de las cintas Eclipse y Jennifer’s Body, se encuentra en los cuernos de la luna dominando la escena de música independiente, gracias a eso y al gran talento que poseen, han recibido premios como el de los Critics Choice Awards, además de presentarse en los festivales de Glastonbury, Reading y Leds. 


Florence Welch se considera como una intérprete que no conoce el miedo, es una mujer que pierde el control cuando está enamorada. Ha dicho que el mejor momento para inspirarse y escribir canciones es cuando se encuentra completamente borracha. Con estas singulares características sale a flote el grupo indie en auge, Florence and the machine. 

Gran parte de su popularidad se la deben a la potente voz de la vocalista, ya que como pocos cantantes, Florence ha creado su propio y auténtico estilo. La banda se considera como un mundo de contradicciones, ya que sus letras pueden ser pasionales y deprimentes ó completamente oscuras y a la vez alegres. 

Pero ¿A qué suena Florence? Bueno la voz tiene un parecido a Fionna Aple y algo de Tom Waits, también puedes escuchar cierta influencia de Bjork en gran parte de sus melodías, como ella lo ha declarado. Su voz gloriosa y versátil, sus estrafalarias armonías forman un pequeño espacio musical donde Welch es la que reina. Florence encontró su propio espacio saliendo a clubs y pubs, cantando en escenarios y en su habitación, así nació ella. 

Lugs su álbum debut, contiene canciones repletas de imaginería gótica, de vuelos fantásticos a un mundo imaginario, pero a pesar de que muchas cosas se suponen tras la lectura de sus textos, Florence dice que todo se resume al amor y a los chicos. Lugs está construido a base de harpas, baterías, metal, fuegos artificiales, cuerdas; así como, sonidos poco usuales de extraños lamentos, suspiros, enfermedad, sangre y los más callados, pero muy expresivos silencios. 

En cuanto a The Machine, es una bestia variable. Puede ser solo Florence con una batería o un piano, aunque ahora es un conjunto de siete componentes que incluye a sus colaboradores de siempre Rob Ackroyd (guitarra), Chris Hayden (batería), Isabella Summers (teclado) y Tom Monger (harpa). 

En directo, Florence and The Machine se convierten en otra bestia. No hay dos actuaciones iguales, ataviada con ropa que ese mismo día obtiene de tiendas de segunda mano locales, Florence sale a actuar como una mujer poseída. 

Diego S.

El dato.

Florence creció en Camberwell, al sur de Londres, la mayor de tres hermanos. Uno de sus primeros recuerdos musicales es estar bailando de pie encima del baúl donde su padre guardaba su colección de vinilos, al ritmo de The Rolling Stones. Empezó a cantar con temas de Nina Simone y Dusty Springfield en casa, amplió su registro vocal con arias, después se convirtió en una pre adolescente katepunk antes de pasarse al drum'n'bass y a la música de baile en fiestas en squats.

miércoles, 29 de diciembre de 2010


Winter's Bone, pondrá en el mapa a su protagonista

Cinta con algunos huecos, llenados por la actuación acertada de su protagonista
Lawrence se encuentra nominada a los Globo de Oro por su actuación de Ree

Winter’s Bone no es una película común, y eso me queda claro,  he leído mil críticas alabando el trabajo de Debra Granik y de su joven protagonista. Pero tengo un problema, a mi no me ha gustado del todo.

Ree (Jennifer Lawrence) es una chica de 17 años que se encuentra a cargo de su madre y sus dos pequeños hermanos. Por la falta de una figura paterna, Ree debe sacar adelanta a su pequeña familia, después de que su padre fue encarcelado. Aún dentro de la prisión, el padre sigue causando conflictos en la vida de su familia, Ree debe buscarlo para poder solucionar el futuro de su familia y en la búsqueda descubre los negocios turbios de su padre.

Al leer la premisa de la cinta creí toparme con un thriller dramático y familiar,  que me mantendría atento al mostrarme los problemas con los que se enfrenta la protagonista.  Sin embargo, me topé con un drama que me pareció plano y lleno de cabos sueltos. ¿Por qué digo esto?  Por la estructura de la película, que presenta una búsqueda con cada uno de los enemigos y conocidos del desaparecido padre,  mientras  esperas que se tope con el  villano más perverso, lo cual nunca pasa.  En cuanto a cabos sueltos me refiero a que no se resuelven varias cosas. Sólo te crean el misterio sobre el oficio del padre, lo cual nunca dejan del todo claro y mencionan vagamente en un par de diálogos, y si a esto le sumamos que nunca se conoce el nombre del asesino.

Tengo que reconocer que Jennifer Lawrence entrega una actuación acertada, ya que personifica a una chica dura obligada a madurar por los actos irresponsables del padre, que en momentos da la sensación de ser una persona con ganas de huir de su compromiso como la cabeza de la familia, Lawrence,  engancha por la frialdad con la que encara a cada uno de los enemigos del padre, los cuales  resultan ser unos cabrones.

Es importante destacar los recursos narrativos que emplean para enfatizar la búsqueda de Ree, que van desde la fotografía en colores fríos, —los cuales dan la sensación de estar en un lugar perdido y sin salida--  y el clima que ayuda a dar pistas sobre la evolución de la búsqueda de la chica. También me agrado la metáfora soñada por Ree, --una ardilla se encuentra atrapada dentro de un bosque desierto , mientras alguien tala los árboles donde ella habita-- donde se hace alusión a la situación que atraviesa la niña al encontrarse sin salida y perdida.

Quizás las expectativas que tenía sobre Winter’s Bone eran grandes, y el esperar algo siempre crea frustraciones, en mi provocó que la cinta no cuajara del todo. Esta cinta me recuerda mucho a Frozen River (2008) por el manejo de colores y su protagonista, y creo que correrá con la misma suerte que la película antes mencionada, sólo servirá para poner en el mapa a Jennifer Lawrence.

Diego S.


Lo mejor del 2010 (para mi)

A sólo unos días de que se termine el año por lo general se hace un conteo de lo mejor del año. Aquí les paso una lista de lo que a mi parecer fueron las 10 mejores películas del año. Algunas son del 2009 e inclusive del 2008, pero su exhibición fue en el año aún en curso. Hice una breve sinopsis,  y un “porqué” de su lugar en la lista.



Kick Ass

Una cinta repleta de acción, que lejos de llegar hacer una burla de su trama, logra darle un giro al tema de los héroes con grandes personajes y secuencias de acción llenas de adrenalina. Por otro lado, Chloe Moretz (Hit girl), opacó completamente al protagonista gracias a su personaje de Girl Fatale, lo cual le sirvió para despuntar en Hollywood y obtener algunos papeles más.


Está en el top por: El rescate de Kick Ass y Big Daddy, así como la batalla de Hit Girl contra el cuerpo de guardaespaldas del villano.






Scott  Pilgrim VS The World


Es una película con alma ochentera. Tiene un aire de nostalgia para toda persona fan de los vídeo juegos y amante de los comics en resumen quien sea un geek la amará. Me encantó la propuesta visual, el sonido y el soundtrack, que es una joya. Quizá las actuaciones no resultan muy demandantes, pero no cabe duda que el acierto fue el elenco , el cual simpatiza y funciona. Una propuesta novedosa visualmente y un gran trabajo de edición. Una cronología del mundo de los juegos. Un festín visual para geeks y una gran comedia para la persona normal. De culto.

Está en el top por: la nostalgia de los videojuegos y el gran soundtrack.




Somos lo que hay


Si bien el cine de género no se nos da, Michel Grau recupera un poco la confianza del público conocedor del terror. Somos lo que hay  es una cinta diferente, arriesgada por su contenido y género,  que además de todos los riesgos tomados,  su director se tomó el lujo de inyectarle gore  y un trasfondo social/político para señalar la actualidad del país.


Está en top por: Ser la cinta que recupera la confianza en el terror mexicano.





Zombieland


No es un filme perfecto, pero sí es una cinta entretenida, que sabe manejar bien sus cartas y que, no pretende ir más allá que la comedia, logrando sacar las vísceras de nuestros estómagos... de pura carcajada.

Está en el Top por: Emma Stone y las secuencias de las reglas de supervivencia.











El Origen


Nolan logró causar intriga desde el teaser tráiler de la cinta. Además  de arriesgarse a realizar una historia atípica y un tanto complicada pero que dio como resultado un filme entretenido.  

Está en top por: El gran elenco, los grandes efectos y el score.








Año Bisiesto


De la ola que trajo la celebración del bicentenario, Año bisiesto fue la cinta más propositiva e íntima. Un relato que para poder ser entendido, es necesario haber vivido algo similar, de otra forma sólo vez como una cinta pretenciosa llena de sexo. La cinta es un ensayo sobre la soledad y las distintas maneras de llenar el vació.


Está en top por: Los protagonistas.







Anticristo



Si bien el cine de Lars Von Trier nunca me ha gustado del todo, con anticristo pudo romper la maldición y ganarme con su trabajo. El inicio es bastante pretencioso, pero todo eso se perdona por tener un comienzo hermoso. Las atmósferas creadas por Von Trier son perturbantes, ya quisiera cualquier película de terror tenerlas. Anticristo causa más miedo por los actos tan sádicos que presenta y por sus personajes retorcidos peores que cualquier psicópata.

Está en el top por: La excelente dirección.





Celda 211



Con un guión redondo plagado de giros y un par de personajes completos, Celda 211 me pareció de lo mejor que he visto del cine español, jamás había pasado una hora y media sumido en mi lugar, sin que esto ocurriera por sonidos y efectos especiales, todo fue gracias a su inusual trama y la manera tan ágil  de contarla.

Está en el top por:  Por la historia y su gran suspenso y claro Malamadre.







Rabbit Hole


Merece estar dentro mi lista por ser la cinta que para mi gusto rescató a Nicole Kidman del hoyo donde se encontraba. Kidman y Eckhart forman una pareja perdida en el recuerdo de su hijo muerto, mientras tratan de encontrar un consuelo en grupos de ayuda, marihuana e inclusive el mismo asesino.  La cinta ha sido de las pocas que logran transmitir el sentir de los protagonistas. Kidman se luce.

Está en el top por: La desgarradora actuación de la Sra. Kidman.






Red social



Grandiosa. La creación de la red social más famosa de todos los tiempos tenía que tener una oscura historia, un odioso creador y un gran director. Reconozco que cuando me enteré que se haría una cinta sobre facebook me mostré escéptico. David Fincher entrega una cinta con una fórmula clásica que nadie se espera, una cinta entretenida y muy bien desarrollada, apoyada de un elenco novato, pero con gran talento histriónico.



Está en el Top por: Fincher, Gardfield y Eisenberg.




Las que entrarían si fuera un top 15: Megamente, Up in the air, Precious, Un profeta y Los hombres que no amaban a las mujeres.





martes, 28 de diciembre de 2010


La tarea más atrevida de los noventa.

Una cinta propositiva, atrevida y fresca para su año.
La escena de sexo entre María rojo y José Alonso sigue pareciendo fuerte en la actualidad.

En el cine nacional sólo puedo mencionar tres directores que realmente para mi poseen un estilo definido, y con estilo  me refiero a que con el sólo hecho de ver unos min de una cinta de ellos y ya sabes quién es realizador, ya sea por los actores, fetiches, trama o el simple hecho de los créditos y los colores. Arturo Ripstein es uno de los primero que crearon su mundo bizarro y de arrabal. Uno más reciente puede ser Carlos Reygadas, que sus cintas y su estilo siempre ha creado controversia por el empleo de pocos diálogos y la moda de utilizar los  “no actores”, pero es de los pocos que tienen su “modo” de hacer cine y que ha servido de escuela para varios de los nuevos talentos.

Jaime Humberto Hermosillo se ha caracterizado por realizar cintas atrevidas que proponen, por lo tanto me atrevo a decir que es del selecto grupo de directores nacionales que tienen su estilo visual.

La Tarea (1991), es uno de sus ejercicios más experimentales que con un argumento tan simple—la cinta trata sobre una cámara de vídeo escondida, la cual forma parte de la tarea de Virginia (María Rojo)--, logra hacer una crítica social sobre temas como el sexo y el uso del condón, en aquel  año el  VIH era un problema mundial y el preservativo apenas comenzaba a usarse, además de  tópicos moralistas como el papel de la mujer y la pornografía. Todo esto se narra  por medio de monólogos y simples pláticas grabadas par la “tarea”.
Como era de esperarse la cinta se presenta en una sola locación y sólo dos actores en escena, cosa que no es rara siendo un trabajo de Hermosillo. El guión es meramente teatral al presentar en su mayoría  saturación de diálogos y por el manejo de la cámara, que es generalmente fija –máximo son tres movimientos de la cámara--.

No es una película para cualquier persona, dado su estructura, pero la cinta destaca en la filmografía del realizador por ser atrevida, propositiva y fresca, y claro por contener una de las escenas sexuales más divertidas y largas en el celuloide mexicano.

Diego S.