Lista Personal de lo Peor del 2011

Luego de revelar mi lista de lo mejor del 2011, ahora presento su contraparte con lo que realmente NO me gustó. Habrá sorpresas en la lista, inclusive muchos pesarán que hay filmes que deberían estar fuera; su servidor incluyó una película de un director que es muy querido –y a estas alturas sobrevalorado--, también una cinta con alma ochentera que fue blanco de muchas críticas tanto negativas como positivas; además la historia de amor de una saga que goza de gran popularidad entre los pubertos. Aquí tienen los la lista. Diez es la menos peor y uno es la peor del año. 

10.- La Piel Que Habito de Pedro Almodóvar 

Estoy jodidamente enojado con este director, últimamente no han cuajado sus trabajos y resultan de una mediana calidad. Técnicamente no me puedo quejar, Almodóvar sabe bien que quiere cuando se trata de lo visual, sin embargo, eso no basta. El guión me pareció flojo, entiendo que es una adaptación libre del libro de Joquet, aún así mejor hubiera preferido que no mencionara Tarántula y se hubiera metido con una historia propia, al final, quiera o no, la premisa es del autor francés. La cinta es inconsistente en actuaciones y en los géneros que fusiona el realizador manchego, como dije, el estilo de Pedro automáticamente revota al film noir, thriller y terror. Destacable la burrada poco creíble de cómo el “doctor-científico” Banderas hace la piel, jodidamente absurdo. 

9.-Cars 2 de John Lasseter 

Insufrible. Mate ha sido el peor personaje que ha tenido Pixar. ¿Realmente era buena idea realizar una secuela de la cinta que considero más aburrida y floja del estudio? Entiendo que les haya ido muy bien en mercadotecnia, pero vamos, Pixar se ha caracterizado por entregar buenas historias, Cars 2 fue una historia por encargo, el protagonista es tedioso –en parte la voz de César Bono cansa—y estúpido, no causa gracia, sumándole a esto un guión pobre y diálogos flojos. Pixar se sacó un mega tache. Lo rescatable la animación. 

8.-Piratas del Caribe de Rob Marshall 

Salí timado por esta cinta. Hollywood debería de aprender que hacer una infinidad de secuelas no es bueno, quizás económicamente sí, pero aquí la culpa la tiene Deep ¿Cuándo jodidos parará de hacer lo mismo una y otra vez? ¡Cuando!, si él no aceptara más secuelas de la desgastada fórmula no tendríamos más piratas. Mal por donde se vea. 

7.-Super 8 de J.J. Abrams 

Dicen que Super 8 es un homenaje y se puede considerar así. Pero de los malos. Nunca había visto un alegato tan poderoso que ridiculiza una década con esta recolección de guiños, tópicos e idioteces. La realidad del éxito de Super 8 es su buena mercadotecnia porque desde el inicio, la cinta nos hace ver que no hay nada que contar y que la historia es una imitación que sirve para rellenar "cine de los 80". Se vende un E.T del nuevo siglo y no llega ni a una Goonies. Al final, con esa conclusión entre la nostalgia y el bochorno. ¿Esto era el cine de los 80? Definitivamente no. 

6.-Linterna Verde de Martin Campbell 

OMG. La peor cinta de súper héroes que he visto. ¿Luchar en contra de vómito? Mis sobrinos se quedaron dormidos. Este tipo de películas dejan claro una cosa: En Hollywood no necesitas tener talento para triunfar, sólo se guapo y tendrás infinidad de trabajo. Ryan Reynolds es un actor que ni me parece simpático y ni parece actor. Efectos especiales pésimos, villanos estúpidos y lo peor, actores secundarios que realmente son actores y están en estos proyectos mediocres. 

5.-La Chica de la Capa Roja 

Me limito a decir todo en el número uno…me soltaré por ambas en esa. Sólo digo que está en quinto lugar porque Amanda Seyfreid es cool. 

4.-¿Qué Pasó Ayer? Parte II 

Toda la película es una copia de la primera parte, los personajes mantienen su esencia que la anterior cinta pero haciendo sus mismas gracias, aún así, es lógico que el público suelte carcajadas con más de lo mismo. Zack Galifianakis –sí el gordito—se muestra estancado con sus ademanes afeminados y su habitual acompañamiento de algún animal, claro al inicio parecía gracioso pero después de tres cintas se le quitó la frescura –Todo un parto es la tercera por si se lo preguntaban—. En conclusión mucho presupuesto para realizar la misma historia pero en otro país…pero con más vulgaridad. 

3.- Actividad Paranormal 3 de Henry Joost

¿Esto es una película de miedo o un documental de terremotos?

Lejos de dar miedo, mi sentimiento al ver esta "película" fue de pena, indignación y vergüenza ajena. No sólo está llena de tópicos predecibles, sino que las escenas de "terror" se basan en destruir el mobiliario de la casa.

Repetitiva, muy repetitiva y aburridísima. 

Respecto al final, mejor no comentar nada porque no hay palabras para describir semejante basura. Sí y una posible quinta parte. 

2.- Mean Girls 2 (TV) de Melanie Mayron 

Gracias a dios no tuvo corrida comercial y sólo fue hecha para TV. Todo está mal, el reparto sin gracia, el contexto es pésimo y pretencioso, la protagonista sin chispa, situaciones queriendo emular las de la primera parte. En fin por algo fue en TV. 

1.- Amanecer Parte 1 de Bill Conton 

¿En verdad podría ser aún peor una película de Crepúsculo? Bill Condon lo logró –sí ese director de Kinsey y Dioses y Monstruos—aburrida y tediosa. Crepúsculo se ha vuelto en la peor saga fructífera del cine, vamos mínimo las de Saw hacían su trabajo al destrozar cuerpos y aventar chorros de sangre. Crepúsculo es una frustración, es amor, pero no hay sexo –cosa que esperaban las chavitas--, hay vendimia de galanes, pero no los hay. Todo es incongruente desde que se inicio la saga, ¿Vampiros brillantes y sin sangre? Comprendo que sea una novela para adolescentes –aún así no es justificado que sea tonta y sin chiste, Los Juegos del Hambre es muy buen libro-- pero ¿Realmente necesitamos una historia donde no pasa nada? Eso pasa por tener una base estúpida para realizar un guión, si la novela es mala era lógico que las translaciones a la pantalla serían peor. Sumemos a esto las pésimas actuaciones y los efectos especiales chafísimas. Si fuera un filme para TV no descutiría nada por eso están en TV Chicas Pesadas 2, pero pagar un boleto por ver esta porquería…jamás. PD nunca he pagado por ver estas cintas, siempre me invitan. P.D. Hoy en día odio todo esto de la reinvención de los clásicos  para hacerlos más adolescentes, eso incluye Alicia en el País..., El Cuento de Caperucita y la que vendrá, Blanca Nieves con la misma estúpida de Crepúsculo. 

Film Fiction cumple 1 año

Después de 365 días y de haberme puesto una meta de mantener un blog actualizado, Film Fiction cumple un año. Sé dice fácil pero no es tan sencillo. Son 175 entradas, alrededor de 100 horas invertidas en escribir cada uno de los artículos, más de 350 horas viendo películas y más de 50 mil visitas; además del hábito y compromiso de entregarme sin paga y por mero amor a redactar sobre cine. Espero cumplir otro año más y como propósito de año nuevo, darle un nuevo formato al blog. 

¡FELICIDADES FILM FICTION!

*Se aceptan comentarios para modificar o agregar artículos al blog.

Mientras Duermes: Luis Tosar amablemente malvado.

No soporto la sonrisa de la gente

Últimamente se ha visto un despunte de cine de género por parte del viejo continente, pero dejemos a un lado el gore francés y enfoquémonos en el cine que se ha exportado desde España de unos años para acá. Guillermo Del Toro fue pionero de la ola de cintas de terror de la última década exportadas desde Europa –tan es así que seguido se embarca en proyectos españoles como productor ejecutivo--, recordemos El Espinazo Del Diablo y la aclamada El Laberinto Del Fauno; por otro lado, Los Otros de Amenábar, hablada en inglés pero de origen español. Paco Plaza y Jaume Balaguero nos trajeron hace unos años REC, cinta claustrofóbica que documenta la aparición de zombis dentro de un edificio de departamentos; estos dos directores se han envuelto en proyectos relacionados con historias de terror y crean grandes expectativas cada que anuncian un proyecto en solitario. Balaguero presenta Mientras Duermes, un thriller al mero estilo de la vieja escuela. 

César es el portero de un edificio de apartamentos y no cambiaría este trabajo por ningún otro, ya que le permite conocer a fondo los movimientos, los hábitos más íntimos, los puntos débiles y los secretos de todos los inquilinos. Si quisiera podría incluso controlar sus vidas, influir en ellas como si fuera Dios, abrir sus heridas y hurgar en ellas. Y todo sin levantar ninguna sospecha. Porque César guarda un secreto muy peculiar: le gusta hacer daño, mover las piezas necesarias para producir dolor a su alrededor. Y la nueva vecina del 5ºB no deja de sonreír. Entra y sale cada día radiante y feliz, llena de luz. Así que pronto se convertirá en el nuevo objetivo del juego de César. Se trata de un reto personal, de una obsesión. 

Conocemos la historia: La obsesión enfermiza de un loco amargado por alguna persona en especial que llega a perturbar el ambiente de la víctima. OK recordemos títulos como Misteriosa Obsesión y la magnífica de Hitchcock, La Ventana Indiscreta –que de esta última se nutren todas--, sí, la premisa es parecida, pero ¿Qué la hace distinta? Para empezar la perspectiva en la que pone al espectador, nos obliga rotundamente a situarnos en la nuca del personaje principal, olvídense de ser la víctima, nos toca jugar a ser malos y cómplices. Nuestro guía y protagonista es la clave de que el filme sea inmensamente distinto a muchas historias parecidas, Luis Tosar, quien tiene una capacidad interpretativa que va mucho más allá de lo puramente cinematográfico. El actor quien mostrara gran talento en Celda 211, indaga en terrenos psicológicos, adueñándose de su personalidad, y en esta ocasión no era sencillo; la combinación del portero educado y servicial con el macabro al que da vida cuando las luces se apagan es un ejercicio complejo. 

Los sucesos descritos en la historia pueden ser clichés, inverosímiles, pero al final se adaptan para justificar la creación de un ambiente inquietante y, sobre todo, por habernos obsequiado un guión exquisito y repugnante –épica la escena cuando Tosar le arruina el día a su vecina diciéndole “sola y vieja”--. 

Técnicamente la fotografía acentúa la dualidad del personaje, entre sombras hace lo suyo en las noches, iluminado la amabilidad hipócrita. La música más que correcta para cada una de las escenas inquietantes. 

Reitero, lo grandioso de Mientras Duermes es la entrega de un personaje horrible que goza con la desgracia de los demás y que se realza más con un final "feliz". Magnífico Tosar.

Diego S.

Agnus Dei: Cordero de Dios. El "poder divino" del clero.

Lo que cubre una sotana.

El cine mexicano puede ser fallido en el apartado de ficción, también pretencioso e inclusive poco llamativo para la sociedad mexicana, aún así, los realizadores mexicanos se han caracterizado por hacer producciones honestas y muy atrevidas en el género documental, de hecho es lo que se sabe hacer bien, mejor dicho, muy bien. Presunto Culpable develó la ineficiencia de nuestro sistema de justicia y era un tema “intocable” –además de ser el documental más rentable de la historia del cine mexicano--, Los Que Se Quedan aborda el tema de la migración de una manera honesta y diferente. Agnus Dei: Cordero de Dios, es atrevido, revelador y denunciante, al exponer el despotismo que tiene la iglesia en nuestro país, tanto como por parte del gobierno y de la sociedad. 

Jesús es un joven de 26 años de edad que fue abusado a los 11 por un sacerdote mientras era monaguillo. Después de algunos años de silencio decide no solo denunciar penalmente a su agresor sino confrontarlo. 

La iglesia en nuestro país es símbolo de la devoción, de poder e impunidad. La religión católica es quien gobierna a nuestro gobierno. Sí en el sistema judicial existe la impunidad y actos de corrupción, la iglesia es encubierta por el poder que nos gobierna y por la infinidad de creyentes. 

Agnus Dei, nos muestra el testimonio de Jesús, que después de ser abusado su vida se torna tensa y devastada. A lo largo de hora y media, Jesús va narrando lo que pasó cuando era acólito en la iglesia, y cómo una relación fraternal se tornó un infierno. 

El documental presenta las entrevistas a los padres del afectado y el cómo fue dañada su devoción por la religión y la familia. La manera en que se narra es personal, es presentada desde el punto de vista de un solo testigo sin meterse de lleno en más personas, se limita en mostrar como el “cura” logró su cometido y la negligencia de la justicia y la iglesia ante este caso en particular. 

Cordero de Dios, no sólo denuncia la pederastia encubierta por parte del clero, sino que deja ver la ignorante devoción por parte de la sociedad católica –es sorprendente ver que los católicos ven al padre como una figura casi divina—y su ceguedad ante casos de abuso. 

Al final todos sabemos lo que pasa, si en otros sistemas gubernamentales no es tan notoria y descarada la impunidad, el sistema eclesiástico se ha dejado ver como el más abusivo de todos, que pasa sobre cualquier tipo de poder; basta con ver el final del filme, aún con testimonio videográfico, el “padrecito” sigue dando misas hasta el día de hoy. 

El único error que le encuentro es el relleno del seguimiento de los dos jóvenes seminaristas, mientras uno se muestra dudoso para desarrollarse como padre, el otro anhela ser un cura. Simplemente no se mete más allá. 

Indignante el material que se tiene, que van desde fotografías explícitas y el encubrimiento “de los grandes” del clero a los pedófilos. La iglesia es una mafia que tiene más poder que el propio presidente y que porta la bandera de la “doble moral”. Indispensable verlo, es el Presunto Culpable de la época.

Diego S.

The Human Centipede II: Explícita y retorcida.

Amo el cine gore, es uno de los que disfruto mucho. Para algunas personas el género de mutilaciones y chorros de sangre resulta repugnante y poco atractivo. Entiendo que muchos vean al gore como películas sin sentido que sólo buscan llevar escenas kitsch y exageradas dentro de un contexto violento, y es cierto, pero en mi particular punto de vista las busco para entretenerme y buscar historias buenas –sí, hay muy buenas películas que tienen excelente guión y una gran trama, aparte de lo explícito de sus imágenes--. The Human Centipede, sonaba repugnante y retorcida --eso de unir bocas con anos era descabellado-- sin embargo, no resultó tan freaky ni tan violenta como se creía. The Human Centipede II (Full Sequence) es todo lo que se esperaba de la primera y mucho más…y no en el buen sentido de la palabra. 

Martin es un solitario con problemas mentales que vive con su madre en un barrio marginal de Londres. Trabaja en el turno nocturno como guardia de seguridad en un estacionamiento subterráneo. Allí se obsesiona cada noche viendo una y otra vez la película “The Human Centipede” en el pequeño televisor de su oficina. Al borde de la locura por culpa de su padre, y su difícil niñez, Martin pone en marcha un plan para emular el ciempiés humano que tantas veces ha visto en su película favorita. 

Empezaré por destacar a su protagonista, el desconocido Laurence R. Harvey es quién da vida al fanático de la cinta original. Su personaje aterroriza no tanto por sus acciones, las miradas y expresiones de un psicópata asustan, además de ser un personaje sumamente perturbado y con pocos diálogos. Esto es ejemplo de una buena construcción de un personaje. 

La fotografía. Maravillosa, en verdad el blanco y negro siempre mantiene un balance oscuro y perturbador para la historia, además de que por obvias razones tenía que ser sin color. Las atmósferas son inquietantes, la música alza aún más las inquietantes situaciones. Técnicamente, bien hecha. 

Lo malo. OK, vayamos por partes, el guión son situaciones sin nada que aportar a la historia, todo se centra en capturar. No pido profundizar, pero si tenían un personaje bien hecho, porque no presentar cosas perturbantes de su niñez y su extraña relación con los padres. Agreguemos a esto escenas innecesarias que sólo buscan el morbo, demasiado repugnante y violencia gratuita –he visto cosas asquerosas, pero esto sí se lleva la corona a lo más “cochino”--. 

The Human Centipe II, es una mezcla de Precious con Hostal, y una versión coprofílica de la primera cinta. Es una opción sólo para los que gustan el exceso –A Serbian Film es juego de niños comparada con esta--.

Diego S.

Los Muppets regresan con su estilo característico.

Físicamente podrán verse anticuados, pero su encanto no está atado al paso del tiempo. 

Los personajes míticos de Jim Henson han regresado, quizá no soy de los que nacieron con las marionetas, pero al final me inicié con ellos viendo su serie animada en versión bebés, sí, los Muppets Babies fueron mi introducción al mundo de Henson. Ahora después de más de una década de su ausencia regresan. Con la esencia que los caracteriza, René (Kermit) y compañía vuelven más graciosos que nunca. 

Durante sus vacaciones en Los Ángeles, Walter, el fan número uno de los Muppets, y sus amigos Gary (Jason Segel) y Mary (Amy Adams) descubren que el petrolero Tex Richman (Chris Cooper) planea arrasar el Teatro de los Muppets para perforar y extraer el petróleo que se halla debajo. Para montar el show más espectacular de los Muppets y recaudar los 10 millones de dólares necesarios para salvar el teatro, Walter, Mary y Gary ayudan a la Rana René a reunirse nuevamente con la pandilla, cuyas vidas ahora han tomado rumbos diferentes: Fozzie trabaja en un casino de Reno con la banda de los Moopets; Miss Peggy es una editora de modas de talla grande de la revista Vogue Paris; Animal se encuentra en una clínica de Santa Bárbara para aprender a controlar su ira; y Gonzo es un magnate de la industria de la fontanería. 

Para poder disfrutar la cinta de las marionetas debes de aterrizar el mundo en el que se desarrolla, un muppet es alguien normal que convive como cualquier persona, no son mal vistos ni discriminados –digamos no necesita tener lógica el hecho de que Jason Segel sea hermano de un títere--. Ahora, la historia es muy típica en el mundo muppet, números musicales, moralejas y el característico humor blanco. 

Cada uno de los personajes principales tiene su momento, lo cual se agradece, pero a mi parecer le dieron demasiada importancia a Walter –el muppet nuevo—, su protagonismo debió de terminar al momento en que todo el elenco se reunió –o hacerlo menos ñoño--; aún así, Miss Piggy se roba cada una de las escenas en las que aparece con su clásico humor de diva –aparte de sus cambios repentinos de vestuario—y Gonzo hace lo suyo con los números “suicidas”. Entiendo que era imposible incluir a todos los personajes, sin embargo, unos hacen su fugaz aparición –muy fugaz diría yo--. 

El elenco humano es acertado, Jason Segel cumple como el hombre y hermano entregado a sus relaciones, Amy Adams en un papel similar al de Encantada y por lo que veo esto de la cantada se le da. 

Disney revitalizó a Los Muppets, supo jugar bien el regreso triunfal de la pandilla y además sabe que las generaciones que vieron nacer a las creaciones de Jim Henson jalarían con sus hijos; ahora el reto de Disney es convencer a las generaciones actuales y mantener el interés de una técnica que para el público infantil podría resultar fallida, pero presiento que el humor ingenioso y reflexivo será del agrado de los peques –recuerden, 31 Minutos el programa chileno resultó un hitazo hace un par de años--. 

Además de la fórmula clásica de la película y como en cintas anteriores de los Muppets, los cameos de los famosos son comunes y en esta ocasión no podían faltar. Selena Gomez, Emily Blunt y Neil Patrick Harris por mencionar algunos son los que se prestaron en esta ocasión –menciono sólo esos porque ya se habían anunciado antes y no quiero estropearles las demás apariciones--. 

Sólo les digo que es hora de ir al cine, tocar la música, encender las luces, y de que lleves a cuanto niño pueda a ver Los Muppets y con toda certeza saldrán del cine como nuevos fanáticos de estos personajes. Físicamente podrán verse anticuados, pero su encanto no está atado al paso del tiempo. 

P.D. Morí de risa con Miss Piggy y su chiste sobre la máscara, además de sus ojos de furiosa. Moi is Fan From Hell de la cerdita por eso les dejo la sesión que hizo Miss Piggy para Instyle.

Diego S.

Trust explora un tema tan común pero sin caer moralismos y sensiblerías.

El internet ha sido un tema determinante en la última década, ya que es una herramienta fundamental para todos los que queremos estar comunicados todo el tiempo y tener la información de una manera verás. Gracias al internet nuestra manera de relacionarnos también ha evolucionado, el chat, el msn y las páginas de contactos por mencionar algunas. ¿A qué viene todo esto? El internet detonó todo un fetiche de películas que van desde cintas de género –Miedo.com—, comedias románticas –Tienes un Email—o la premiada Red Social. Trust (Pérdida de la Inocencia), se une a este tipo de cintas que tocan el tema de los acosos sexuales en la red. Con altibajos pero sale bien librada. 

Una joven adolescente comienza a chatear con un nuevo amigo desconocido. La vida familiar la hace sentirse cada vez menos comprendida y se refugiará en cederle toda su confianza a un extraño. Alguien que ha medida que se gane su cariño irá allanando su camino destapando sus continuas mentiras, hasta conseguir su propósito. Esta joven ha dado de lleno con un auténtico depredador sexual y, acabará siendo una pesadilla tanto para ella como para su familia. 

Si bien la premisa es más que vista y contada en múltiples programas del corazón y hasta en las noticias diarias, Trust explora un tema tan común pero sin caer moralismos y sensiblerías. 

David Schwimmer no se centra en la situación de cacería del depredador sexual y su inocente víctima,-- como se esperaría en este tipo de historias—sino, en la manera en que esto afecta  la confianza de cada una de las partes y las personas cercanas a las víctimas –por eso el título--. Bien se podría plantear como una cinta de enseñanza para juventud actual. No toda persona amable es de confianza.

Trust, tiene un guión un tanto flojo y predecible, además de contar con varios huecos, lo salva aquí la película son las interpretaciones. Cuando tienes una historia ya contada, el punto clave es tener actores que levanten la historia. Clive Owen –luciendo un poco demacrado-- y Catherine Keener, ambos hacen un trabajo excelente como los padres de la niña, dejando ver que la historia les quedó chica; pero lo interesante era encontrar a la adolescente acosada. Liana Liberato carga con ser la lolita del ciberespacio, y vamos, sorprende por no sobreactuar y sacar a un personaje que si en su lugar entraba Dakota Fanning hubiera resultado desastroso. 

Te deja un mal sabor de boca aquí, son precisamente eso huecos de la historia que te dejan con dudas --¿Quién montó la página web que vio en la escuela? ¿Qué pasó con el vídeo y con el depredador?, llegando a desinflado final. 

Haciendo a un lado los huecos la película, Trust tiene escenas perturbantes, pero la que robó mi atención fue la atrevida imaginación del padre, recreando la violación de su hija. Sublime. 

Trust es una buena historia que se torna tibia por dejar cosas relevantes para este tipo de historias al lado, deja además anhelando la tortura del personaje malvado-- para mí el final predecible era necesario--. Recomendable.

Diego S.

Red State es escandalosa, llena de suspenso y sí, crítica social

Red State consolida a Smith con un gran director y un excelente guionista. 

El director estadounidense Kevin Smith ha logrado quedarse en la memoria cinematográfica por sus ingeniosas y graciosas comedias a lo largo de los años noventa –década que lo vio nacer como director--. En el inicio del nuevo siglo, Smith ha sido fiel a sus influencias geek y cultura pop que lo han caracterizado –que van desde su fanatismo por Star Wars, hasta el gusto por los comics--, pero su último trabajo ha sido duramente criticado, en primera por ser un género ajeno al director y por otro lado el tema central de la cinta. Red State es escandalosa, llena de suspenso y sí, crítica social –por eso los puristas se alarmaron--. 

Tres adolescentes con las hormonas al rojo vivo contestan a un anuncio de una mujer madura que busca sexo. Siendo chicos los chicos, se lanzan a la carretera para satisfacer sus urgencias libidinosas. Pero lo que empieza como una fantasía da un oscuro giro cuando se enfrentan a una terrorífica fuerza "sagrada" con una agenda pendiente fatal. Historia inspirada en la figura real de Fred Phelps, el líder de un grupo religioso extremista que se hacía llamar la Iglesia Bautista Westboro. 

Como hiciera recientemente Almodóvar con su cambio de género –un muy fallido intento—Kevin Smith sale triunfante de su traslado de la comedia al “terror”. Red State, es un thriller de terror psicológico, inspirado en la figura de la aterradora familia Phelps, unos fanáticos “from hell” religiosos que salían a manifestarse en los funerales de los soldados americanos y que abogaban con que el fin del mundo iba a llegar por culpa de los homosexuales. Con esa premisa, el director logra crear un producto redondo, iniciando con un típico comienzo de película de terror –adolescentes lujuriosos buscando sexo por internet—, para luego volcarse por un “gracioso” y “feliz” final. 

El guión escrito por el mismo Smith, está dividido en tres episodios o historias. La primera es la esencia de una cinta de género, la segunda nos muestra las reglas y la visión de la secta que trata de “limpiar” el mundo; la tercera es la confrontación de dos mundos, la religión contra la autoridad --ambos sacando lo peor, ocasionando el terror por sus actos--. 

Red State no tiene un personaje principal, cada uno de sus protagonistas va “cerrando” su respectivo capítulo. Los actores cumplen sus roles, pero quien se lleva las palmas es Michael Parks, sublime; su gesticulación es aterradora y tiene una personalidad digna de cualquier loco/líder/religioso/terrorista, su monólogo sobre las “escorias” que destruyen el mundo es lo m-á-x-i-m-o –merecido el premio a Mejor Actor en el Festival de Sitges (espero que lo tomen en cuenta al Oscar)--. 

Excelente dirección por parte del rechoncho director, un ensamble actoral magnífico –destaquemos también a Melissa Leo y John Goodman—y una excelente propuesta de terror psicológico. Kevin Smith –no te vayas (se supone que es su penúltimo largo) —no sólo nos dejará Clerks y Jay y Bob El Silencioso; Red State quedará como un buen ejercicio de un realizador que se caracterizó por dirigir comedias. Imperdible. 

Diego S.

Cuando El Amor Es Para Siempre y la intensidad de la vida.

Restless se alimenta de Love Story, pero sin tanto drama como se podría esperar de un amor con fecha de caducidad. 

El reciente proyecto del reconocido director, Gus Van Sant se mete dentro del género de comedia romántica, cayendo en clichés del género pero filosofando sobre “el cómo vivir la vida”. Cursi hasta el tuétano, sin embargo, llegadora y lacrimógena. Restless se alimenta de Love Story, pero sin tanto drama como se podría esperar de un amor con fecha de caducidad. 

Enoch es un chico torturado por una morbosa obsesión por la muerte. Su vida transcurre entre la visita a diversos sepelios y conversaciones con el fantasma de un soldado japonés muerto en la segunda guerra mundial, Hiroshi. Un día conoce a Annabelle, una enferma de cáncer, enamorada por la biología y apasionada por la vida. La conexión entre ellos es inmediata, abriendo la posibilidad de un romance entre ellos, donde se mezclan la ternura y la morbosidad por la muerte. 

La fórmula de una cinta romántica y trágica ya está impuesta, pero Restless no pretende cambiar la historia del género, sino, desarrollarla de una manera distinta –agreguemos el tono fantástico a este--. No es la mejor película de Van Sant, pero es un digno experimento de una película de adolescentes enamorados. 

La historia no toma el camino fácil, es una cinta esperanzadora y tierna, es la visión de un amor intenso y el encuentro de dos almas gemelas. Restless sólo plantea una pregunta: El tiempo que se ama ¿Se mide por intensidad o tiempo? Es difícil responder, Gus Van Sant se limita a demostrar que una relación tiene expiración, pero que al final lo que termina en la mente de una relación, es la intensidad en que se ama y se vive. 

La pareja conformada por Mia Wasikovska y Henry Hooper –sí, hijo del fallecido Dennis Hooper y a quién se dedica esta cinta— en momentos se ven un tanto infantiles e inocentes, pero supongo que el punto es mostrar la inocencia e inexperiencia de los personajes al nunca haber amado, siendo así acertadas actuaciones. Punto extra para el fantasma japonés quien pone gran parte del humor a la historia. 

Dejemos algo claro, lo que realmente hacen llegadora a Restless son sus diálogos, que lejos de ser cursis te hacen reflexionar sobre la vida y el amor. Frases como: “Morir es fácil, amar es difícil” y “Tenemos tan poco tiempo para decir las cosas realmente importantes” logran conmoverte y dejarte pensando sobre la vida y cuestiones personales –Ok me llegó la cinta--. 

Técnicamente tiene un tono muy rosa, colores brillantes y un vestuario acertado y colorido, una fotografía iluminada que te evoca a un inocente y amor puro. La música que es de Danny Elfman no destaca en lo absoluto –me pareció insípida y poco destacable--. 

Reitero, no es la obra maestra de su director ya que en momentos se muestra un tanto pretencioso al querer mostrar una visión íntima sobre el amor –en momentos divaga mucho y se va tornando muy larga a pesar de que dura hora y media--, aún así es un película que vale la pena ver y disfrutar sin esperarse una cinta romántica típica. Recomendable.

Diego S.

PD. El título en español es Cuando El Amor Es Para Siempre, pero se me hizo muy ñero y largo.

La Piel Que Habito: La Incompatibilidad de estilos es el problema.

Intento de film noir cómico y una visión fresa de la novela

Hablar de cine español es hablar de Almodóvar. Cada cinta nueva que se anuncia por parte del manchego este da que hablar. Generalmente son opiniones encontradas, pero jamás será indiferente una de sus películas. Después del tropezón que dio con Los Abrazos Rotos, los cinéfilos estaban esperando el que sería su próximo proyecto, para fortuna de los amantes del suspenso el libro del francés Thierry Joquet titulado Tarántula por fin cobraría vida en manos de Pedro Almodóvar, para los que leímos la novela fue una forma de cuestionarnos. La Piel Que Habito es la cinta más arriesgada del director, sin embargo, para mí fue sólo una exploración de géneros cinematográficos y un cumplimiento mediano para la obra en que se basa. 

Desde que su mujer sufrió quemaduras en todo el cuerpo a raíz de un accidente de coche, el doctor Robert Ledgard, eminente cirujano plástico, ha dedicado años de estudio y experimentación a la elaboración de una nueva piel con la que hubiera podido salvarla; se trata de una piel sensible a las caricias, pero que funciona como una auténtica coraza contra toda clase de agresiones, tanto externas como internas. Para poner en práctica este hallazgo revolucionario es preciso carecer de escrúpulos, y Ledgard no los tiene. Pero, además, necesita una cobaya humana y un cómplice. Marilia, la mujer que lo cuidó desde niño, es de una fidelidad perruna: nunca le fallará. El problema será encontrar la cobaya humana. 

Sin dudarlo es su trabajo más estético que ha presentado, además del más osado, pero al parecer no le hizo justicia a Tarántula, por lo menos no a la esencia de la novela. La Piel Que Habito es un intento de film noir cómico y una visión fresa de la novela. 

Las atmósferas que pinta el autor –del libro--son perturbadoras y hasta terroríficas, las de Almodóvar no tienen ni suspenso ni algo que favorezca a las escenas –siento que en los pocos momentos donde estaba por lograr situaciones de suspenso la comedia terminaba por romperlos--, lo veo más como una incompatibilidad de estilos y el incumplimiento a las exigencias que pide la historia. 

En cuanto al reparto, Antonio Banderas se siente muy cohibido gestualmente, al tratar de aparentar un médico loco y calculador, pero todo se queda en el mero intento de parodia. Marisa Paredes intrascendente pero graciosa, Elena Anaya es la única que destaca por su atinada expresividad y su innegable belleza que requería el personaje; el resto del reparto nada sobresaliente. 

La fotografía –el aspecto técnico más destacado de la cinta-- goza de gran belleza, por un lado muestra tonos fríos y limpios dentro de la casa del doctor, mientras que fuera de ellos oscuros y desaturados. Alberto Iglesias quien también experimenta en la música –a mi parecer su trabajo más diferente--, sale bien librado con un score que captura lo oscuro y dramático de la novela, pero que aún así mantiene la fidelidad a su característico trabajo –al parecer Iglesias sí entendió bien lo que es Tarántula--. 

La Piel Que Habito se queda en un intento de film noir- thriller que se le va de las manos a un Almodóvar incapaz de controlar una película de género. Tarántula era material que en manos de un Cronenberg hubiera resultado exquisito. En partes resulta interesante, pero en conjunto decepcionante. 

P.D. Ni el vestuario de Jean Paul Gaultier me pareció destacado.

Diego S.

Historias Cruzadas y los "colores" de la sociedad

Historia que disecciona la sociedad de los sesentas por medio de los estereotipos femeninos.

Hasta hace poco desconocía el porqué del éxito de Historias Cruzadas o The Help, sólo había visto el avance, para ser sincero sólo me daba curiosidad por ver a Emma Stone dentro de un ensamble actoral tan versátil y que aún están forjando –algunas—su espacio dentro del mainstream del cine. Historias Cruzadas me convenció en muchos aspectos y terminé con un buen sabor de boca. 

Mississippi, años 60. Skeeter (Emma Stone) es una joven sureña que regresa de la universidad decidida a convertirse en escritora. Su llegada altera la vida de la ciudad e incluso la de sus amigos porque se ha propuesto entrevistar a las mujeres negras que se han pasado la vida al servicio de las grandes familias sufriendo todas las formas de discriminación racial. 

La combinación de sonrisas y lágrimas con una música que estimula ambas reacciones y generalmente siempre es efectiva. Hay situaciones, forzadas o no, que son acertadas a la hora de provocar la sensibilidad del público, lo que hace The help es llevarlas al extremo, de carcajadas a llantos, sin demasiados rodeos . Las escenas se han diseñado para sacar los colores de una sociedad cómplice del racismo –el acto donde una señora prohibiéndole el uso del baño principal a la sirvienta negra y luego la sirvienta negra devolviéndole el golpe en forma de “tarta” escatológica hablan por sí solas— 

El encuadre actoral no tiene desperdicio. Cada una de las actrices cumple su función en creces, Emma Stone entrañable en su papel de mujer feminista, Viola Davis huele a Oscar junto con Octavia Spencer –grandiosa y expresiva— Bryce Dallas Howard simplemente magnifica como la tirana de la historia. Personajes bien delineados y estereotipos de la época en que se desarrolla la historia. 

Fotografía destacable, dirección de arte muy acertado y la musicalización perfecta, logran que sea un producto redondo para la época de premiaciones. 

Posiblemente puede llegar a sentirse moralista, tópica, de lágrima fácil y sumamente sensiblera, ya que sus conflictos son lo que generalmente buscan la emotividad, sin embargo tiene algo que la hace atractiva, es humana; siendo así todo se justifica, ya que todo recae en su obvia trama de una "feel-good movie". Excelente.

Diego S.

Amigos Con Beneficio..."LA" trama de la comedia actual.

Este año se han estrenado tres cintas sobre el tema de los “fuck buddies” o “amigovios” , “Sexo, Amor y Otras Drogas”, “Amigos con Derechos”, y la cinta en cuestión: “Amigos con Beneficios”. Lo que da como conclusión que Hollywood ha descubierto esta moda ahora, y la quiere explotar hasta exprimir el último centavo. 

Dylan (Justin Timberlake) y Jamie (Mila Kunis) son dos amigos jóvenes, solteros y atractivos que deciden embarcarse en una relación estrictamente física sin compromiso... pero sin dejar de ser amigos. "Sólo sexo", es lo que acuerdan. Lo que no se pueden imaginar es que este tipo de relación híbrida no les traerá más que complicaciones. 

Fácil argumento junto con fáciles actores. Ambos han demostrado que tienen potencial (si no aceptan cualquier papel), Justin Timberlake en "The Social Network" y Mila Kunis en "Black Swan" en las cuales bordan su personaje; sin embargo, ahora buscaban lo que cualquier joven: dinero y fama (valga la redundancia). Igualmente, su actuación es aceptable.

Dicho esto, cabe reconocer que es un filme simpático, sin suspensión --las escenas y diálogos dan la sensación que los recortan, no hay silencios prácticamente--, aunque no llega a incomodar. Fotografía y banda sonora en línea con cualquier comedia romántica. Se perciben puntos interesantes en la relación que se forma entre los protagonistas, marcados siempre por los clásicos gags, escenas y bromas necesarios en este tipo de comedias. 

Todos sabemos el final, aún así llegas a desearlo --como mínimo yo-- porque un final original equivaldría a una sensación de incumplimiento de la película. En definitiva, un rato agradable. 

P.D. Qué cuerpo se cargan los protagonistas, Mila Kunis enseñando lo que se debe y se agradece el primer plano al trasero del señor Timberlake.

Diego S.

Melancolía y el pesimismo del fin del mundo

Melancolía:Tristeza vaga, profunda, sosegada y permanente, nacida de causas físicas o morales, que hace que no encuentre quien la padece gusto ni diversión en nada.

Luego de la controversia ocasionada por Lars Von Trier y sus declaraciones incómodas, el festival de cine de Cannes opacó a la cinta Melancolía del cineasta danés, dejándola sólo con un premio entre sus manos .Ahora que he visto el trabajo por el cual Kirsten Dunst se llevó la Palma de Oro por Mejor Actriz, puedo decir que Von Trier tiene la capacidad para sacarle talento a cualquier actriz que no haya dado muestras de tenerlo y poder pasarle que suelte la boca de más. Su trabajo habla por si mismo. Melancolía es una exploración catastrófica del ser humano mediante dos hermanas que simbolizan  toda la humanidad, y un niño, símbolo del futuro truncado, el posible fin del mundo.

Justine (Kirsten Dunst) y Michael (Alexander Skarsgård) celebran su boda en una suntuosa fiesta en casa de su hermana (Charlotte Gainsbourg) y su cuñado (Kiefer Sutherland). Mientras tanto, el planeta Melancolía se dirige hacia la tierra... 

Al igual que Anticristo, Melancolía inicia con un prólogo que resume toda la historia en cámara lenta --acompañada en esta ocasión de la música de Preludio de Tristán e Isolda de Richard Wagner-- y durante más de diez minutos se disfruta una secuencia de imágenes a manera de pasajes con una excelsa fotografía. 

La cinta se divide en dos partes, uno sobre cada hermana. Justine representa un retrato cruel, mordaz, ácido y especialmente pesimista sobre el ser humano. Lo inconsciente y dañino que puede ser el humano hacía el mismo y lo que le rodea, el egocentrismo de este y lo ajeno que es al universo en el que se encuentra. Este acto está lleno de momentos naturales entre otros desquiciados y surrealistas posee toques de humor, aunque así puede resultar muy irritante al espectador más ingenuo.

Por otro lado, la parte de Claire, muestra la llegada del planeta Melancolía, la parte más poética y filosófica, llena de momentos hermosos bajo la luz azulada que refleja el planeta , podemos ver la desesperación de algunos y la aceptación de otros, el que el mundo tenga un final inevitable provoca unos fascinantes momentos de paz y tranquilidad. Muchos más que la muerte personal, es el final de toda vida, de todo lo que nos rodea. Melancolía no es sólo el planeta que amenaza con colapsar a la tierra, sino que, es el contexto y el esqueleto de una historia dramática y depresiva. 

El final demuestra que no son necesarios millones de pesos para recrear un fin del mundo trágico y que te enchine la piel, Von Trier impacta con fuerza y de manera magistral acompañado nuevamente de Wagner cierra una historia con un final bello y emocionante. 

Olviden los efectos especiales y el fin del mundo al estilo Roland Emmerich, Lars no anda con simplezas y nos muestra una cruda realidad y pesimista como nos tiene acostumbrados, donde no hay ningún gringo que pueda salvar al mundo; el fin es inevitable. Von Trier es un gran dramaturgo contemporáneo. Una obra muy recomendable para aquellos que quieran usar el cerebro al ver una película.

Diego S.

Destino Final 5. Un reivindicado cierre.

Entretenida. Aprovecha el 3D para disfrutar mejor las muertes de los protagonistas.

Las expectativas ante una película son inevitables, ya sea por la inmensa publicidad que se le da o por la fama de los que participan en la historia; al final algunas las cumplen y otras se quedan en una simple promesa. La saga de Destino Final nunca ha prometido nada que no se vea en sus avances, sangre, violencia, cuerpos y muertes creativas. En su quinta entrega no decepciona al seguir en la misma línea. 

Sam Lawton (Nicholas D'Agosto) tiene una premonición sobre la destrucción de un puente colgante que causaría su muerte y la de otras personas. La visión se hace realidad, pero Sam se las arregla para salvarse a sí mismo y a algunos otros de la catastrófica tragedia. Sin embargo, Sam y su novia Molly (Emma Bell) descubren que no están realmente a salvo: la muerte los persigue a ellos y a los que sobrevivieron al horrible accidente... 

Todos sabemos lo que vamos a ver en esta quinta entrega: Cuerpos destrozados y creatividad a la hora de matarlos. Bueno, en Destino Final 5 3D, sacaron partido del uso de la tercera dimensión al ser toda una atracción el estar en la sala de cine. No se le puede pedir más, si sabemos cuál será la estructura de la historia. 

La secuencia en esta ocasión es sobre un puente, la cual está muy bien desarrollada y bien manufacturada en cada situación, además de que aprovecha muy bien el uso del 3D –cosa que se agrade sin sentirse timado--. Las muertes de cada uno de los sobrevivientes no se limitan a la espectacularidad con la que ya nos acostumbraron en las anteriores, incluso, cada una de las muertes derrocha una gran inventiva, además esta tan bien llevada, que el espectador, no solo la puede seguir a la perfección sin perderse nada, sino que por primera vez es capaz de recordar a la perfección el orden de cada una de las muertes. También, desde el principio Destino Final 5 destila sentido del humor y las carcajadas suceden al ritmo de las muertes, y esto no es más que una seña de la cinta no se toma enserio –algo así a la saga Scream--. 

Disfruten en 3D, ríanse con las muertes creativas y vayan al cine como si fueran a la feria a divertirse, claro, en esta ocasión repleta de desmembramientos y vísceras. Divertida.

Diego S.