lunes, 28 de febrero de 2011


La princesa y el sapo, fórmula clásica, pero sin innovar

El regreso de Disney tibiamente recibido.

Después de varias películas que no han conseguido la aceptación del público, entre las que se encuentran algunas excelentes Lilo y stitch, otras interesantes como, Las locuras del emperador y otras horrorosas como Dinosaurio, con toda la gama de intermedios. Disney vuelve a lo que mejor sabe hacer, en teoría, con dos directores que firmaron varios "clásicos" de los noventa. En todo caso Musker y Clements demostraron su talento con La sirenita, Hércules y Aladdin. Ahora vuelven con una película que no resulta tan memorable como las cuatro primeras pero afortunadamente es mucho menos aburrida que la última.
La primera parte de la película es muy...clásica, pero algo trillada. Tras la sorpresa del beso -desvelada en los trailers-tenemos una película de los típicos animales graciosos,  bastante simpática pero con escasas sorpresas. Lo mejor en esta parte son las canciones y los números musicales. Aunque Randy Newman no componga canciones tan pegajosas como Alan Menken los ritmos blues, jazz y soul de la película tienen su gracia y afortunadamente no han sido muy arruinados por los que doblan las canciones en español.

Después del mejor momento de la cinta, la aparición de cierto personaje y su número musical "Hay que saber llegar al fondo" (¡por fin, una forma divertida de presentar la moraleja!), viene un clímax que contiene tanto elementos predecibles como alguna sorpresa. Pese a todo, le falta un poco de fuerza.

El personaje principal es Tiana,  una muchacha , responsable, trabajadora...se hace algo repelente, pero entiendo que estaban presionados por el hecho de presentar una princesa negra y debían ser políticamente correctos. El príncipe Naveen es más divertido por ser un mujeriego, el malo tiene algunos aspectos interesantes pero le falta desarrollo. Los otros secundarios son en ocasiones muy buenos aunque algunos como el cocodrilo trompetista están demasiado encasillados en su rol. Se limita a hacer gracioso y no consigue ser un personaje memorable como el genio de Aladdin, y eso que en sus primeras escenas presenta potencial de ser como Baloo en El libro de la selva.

Es la mejor con esta fórmula en años, pero en la era de Pixar, el propio Lasseter debería darse cuenta de que la fórmula está algo añeja. Algunos pensamos que se puede mantener el espíritu cambiando la fórmula, como hicieron en Lilo y stitch, pero no seré muy duro, en este momento se comprende el recurso a la nostalgia debido al escaso éxito de sus más recientes producciones. Los que preferimos la animación 2D a las 3D agradecemos el esfuerzo, pero pedimos un poco más de variedad en sus películas a partir de ahora.


domingo, 27 de febrero de 2011


Ganadores Oscar 2011

Los resultados fueron en mi opinión acertadas. Que si Fincher se lo merecía. Para mi no. Tom Hooper hizo muy buen trabajo y The king`s speech cumple.

Mejor dirección de arte - Robert Stromberg con Alicia en el País de las maravillas
Mejor fotografía - Wally Pfister con El Origen
Mejor actriz de reparto - Melissa Leo con El Peleador
Mejor película animada (Largometraje) - Lee Unkrich por Toy Story 3
Mejor guión adaptado - Aaron Sorkin por Red social
Mejor guión original - David Seidler por El discurso del rey
Mejor película extranjera - In a Better World de Dinamarca
Mejor actor de reparto - Christian Bale por El Peleador
Mejor música original - Trent Reznor and Atticus Ross por Red Social
Mejor mezcla de sonido - Lora Hirschberg, Gary A. Rizzo y Ed Novick por El Origen
Mejor edición de sonido - Richard King por El Origen
Mejor maquillaje - Rick Baker y Dave Elsey por El Hombre Lobo
Mejor diseño de vestuario - Colleen Atwood por Alicia en el país de las maravillas
Mejor cortometraje documental - Strangers No More
Mejor cortometraje de acción - God of Love
Mejor largometraje documental - Inside Job de Charles Ferguson y Audrey Marrs
Mejores efectos especiales - El origen
Mejor edición - La Red Social
Mejor canción original - Randy Newman ("We Belong Together") de Toy Story
Mejor director - Tom Hooper por El discurso del Rey
Mejor actriz protagónica - Natalie Portman por El cisne negro
Mejor actor protagónico - Colin Firth por El discurso del rey
Mejor película - El discurso del Rey

sábado, 26 de febrero de 2011


Top 5 Score

Les paso mis score favoritos de todos los tiempo. Quizá me linche por que no incluí algunos clásicos, pero, realmente estos son los que más me han llegado gracias al conjunto que hacen la imagen y la música.


5. Black Swan By Clint Mansell 

Clint Mansell me ha gustado desde que hizo mancuerna con Darren Aronofsky en Pi el orden del caos, hasta Réquiem por un sueño. Con Black Swan logró transmitir la dualidad de los mundos de Nina Sayers, sonidos exquisitos y dignos de una esquizofrenia, así como los fascinantes del mundo del ballet. Uno de los mejores score compuestos por Mansell y el que más he tarareado en mi vida. Opposites Attract es parte favorita.


4. Réquiem por un sueño by Clint Mansell

Con Lux aeterna logró crear música emblemática para una situación clara. Momentos de clímax se han acompañado de esta pieza que ha sido utilizada para infinidad de tráiler y películas de todos los géneros. Mansell es un genio. Lux aeterna mi favorita.


3.Atonement by  Dario Marianelli

El trabajo del italiano se ha caracterizado por musicalizar historias épicas. La cúspide de su trabajo hasta la fecha. Ingenioso,  elegante y creativo. El track de inicio de la cinta es romántico llegador y altamente astuto. Cada pieza en el score es preciso para una historia de amor, que es interrumpida por un trágico final.  Track destacado, Briony.


2. Cinema Paradiso by Ennio Morricone

Mi favorito no sólo por ser Ennio,  si no que, la película es un clásico instantáneo. Morricone es un maestro en el arte de musicalizar. Ennio nunca pasará de moda y con cinema paradiso, creó una partitura imprescindible. Tierna, romántica y muy emotiva. Track destacado, en general me gusta todo, pero, el tema del final es muy emotivo y siempre se me enchina la piel al escucharlo.

1.Slumdog Millionarie by A. R. Rahman

La película perdió mucho con los años. Sólo fue un boom momentáneo y no súpero el wue sea recordada, sin embargo,  su score ha permanecido por la originalidad de su creador. Mucho podrán decir sobre la cinta, pero su score es pegajoso, original y bailable. Para mí se ha mantenido gracias a su composición de los géneros más comerciales que van desde, electrónica, Hip Hop, música indú entre una gran variedad de sonidos. Su clave es que cada una de las piezas del score son creadas y pensadas para una escena en específico. Es de las pocas partituras que al momento de escuchar la música, sin ver la cinta, te vas creando cada parte de la película. Un score para todos y para nadie será indiferente. Todo el score me gusta, no hay uno en específico. 





viernes, 25 de febrero de 2011


127 Horas, crónica delirante de la supervivencia

El regreso de Danny Boyle después del tropiezo de Quisiera ser millonario.

Al pasar de los años el director inglés, Danny Boyle, ha perdido su toque creativo que lo distinguía, después de que Quisiera ser millonario le otorgara el Oscar, perdí mucha confianza en el realizador que trajo Trainspotting. Seré sincero su trabajo realmente me daba flojera. Estaba escéptico ante 127 horas, pero, siempre hay un nuevo aire. 

Basada en la historia de Aron Ralston, un intrépido montañero y escalador norteamericano conocido porque en mayo de 2003, durante una escalada por los nada transitados cañones en Utah, sufrió una caída y su brazo quedó atrapado por una roca dentro de una profunda grieta. Tras varios días inmovilizado e incapaz de encontrar una solución alternativa, tuvo que tomar una dramática decisión. 

127 horas, me transportó y generó un cúmulo de sensaciones en mi como espectador de un evento basado en hechos reales, en el que me hizo cuestionar sobre lo que somos, lo que tenemos, lo que hacemos, lo que dejamos de hacer y hasta donde estamos dispuestos a luchar para vivir nuestras vidas al extremo, aprovechando al máximo nuestras capacidades que nos hacen únicos en el universo, pero que muchas veces sólo en momentos difíciles nos damos cuenta de lo maravilloso que tenemos como don, “nuestra vida”. 

Al parecer no me pude contenerme y después de tanto tiempo de no llorar al término de una película, 127 horas rompió la maldición. Me hizo llorar por las ansias de vivir. Sí es cursi, pero es de esas cintas que si no fuera por dos películas involucradas en los Oscar, la cinta de Boyle pudo haber ganado, por su mensaje inspirador. 

Sería una estupidez que dijera que 127 horas es buena, sin mencionar la sobresaliente actuación de James Franco. El joven actor logra sostener una cinta claustrofóbica, interpretando de manera lúcida a un hombre con ganas de vivir. Comedia, drama y maquillaje, lograron que franco entregara la mejor de sus actuaciones hasta ahora. 

la gran interrogante que me surgió fue ¿Cómo diablos podrá mantenerte atento durante hora y media sólo una persona, sin aburrirte? La respuesta es la música, la excelente dirección y los momentos delirantes del protagonista. La música es todo un índice de emociones, puedes encontrar cada situación del protagonista al escuchar cada una de las piezas musicales. 

Ahora Boyle ha retomado su camino, recuperó mi confianza que le tenía perdida. 127 Horas ha sido de los mejor del año junto con Black Swan. Imprescindible.

Diego S.

PD
De verdad creí que la escena cuando se mutila el brazo sería fuerte. Resultó muy simple.

jueves, 24 de febrero de 2011


Sanctum, intento de sobrevivencia

Cinta que pretende jalar a los seguidores del 3D de Avatar.

Las películas que se velan con la leyenda en “basado en hechos reales”, por lo general me muestro escéptico. Su narrativa me resulta un poco pretenciosa y para nada creíble, de lo real sólo tienen los personajes generalmente, claro, tenemos excepciones como 127 horas de Danny Boyle que, tan sólo con el trailer logra convencerte. Sanctum 3D, resulta ser un documental estilo National Geografic pero sin la chispa informativa de estos.

Un grupo de submarinistas, encabezado por un padre y un hijo, realiza una expedición a la cueva más grande e inaccesible del mundo. A causa de una tormenta tropical, tendrán que enfrentarse a numerosos peligros, mientras buscan una ruta que les permita salir y salvar sus vidas. 

Como verán la trama no suena para nada interesante, vamos, ni el póster es llamativo y mucho menos el pésimo tráiler. La película no es otra cosa que una odisea de un grupo de humanos tratando de sobrevivir ante la voraz naturaleza. Intentando ser claustrofóbica por el ambiente en que se desarrolla la historia, sin embargo, su ambiente está en su contra debido al mal manejo del suspenso y de su torpe elenco. 

Sanctum, pretende ser una mezcla de Sobreviven y el viaje de Poseidón, sin embargo no logra la astucia y perturbadora trama de la primera, y de la segunda ni siquiera llega a ser un copia barata.

Sus aciertos son pocos. El 3D luce bien. Los paisajes son grandiosos. Y sólo dos escenas me gustaron. La estupidez de una de la protagonista al morir por una burrada. Y las poco creíbles soluciones a la falta de la luz. 

El nombre de James Cameron sólo aparece para traer al público que conquistó con Avatar, así que por favor no vayan con esa mentalidad.

Diego S.


miércoles, 23 de febrero de 2011


El discurso del rey, grandioso reparto, grandiosa dirección.

Cinta donde sus cimientos son sus grandes actores.
Con frecuencia y casi cada año se presentan cintas biográficas que ya es todo un cliché dentro del cine, en automático las cintas comienzan hacer ruido y casi oliendo a Oscar. De la misma manera a la par de que se realizan películas sobre personajes reales, se exhiben cintas sobre la realeza. Este año El Discurso del Rey es la apuesta fuerte sobre la monarquía. 

El duque de York se convirtió en rey de Gran Bretaña con el nombre de Jorge VI (1936-1952), tras la abdicación de su hermano mayor Eduardo VIII. Su tartamudez, que constituía un gran inconveniente para el ejercicio de sus funciones, lo llevó a buscar la ayuda de Lionel Logue, un experto logopeda que consiguió, empleando una serie de técnicas poco ortodoxas, eliminar este defecto del rey. 

El inicio emplea una perfecta metonimia por medio de la metáfora con un micrófono, la cual nos dice que lo que se verá será simplemente los distintos ángulos del personaje principal. 

Iré al grano. Tenía grandes expectativas sobre la actuación de Colin Firth como Bertie. Me gustó a secas. No es que esté mal, considero que su problema con el habla cuya delicadeza y matices aplica a su interpretación convierten un personaje real (en ambos sentidos), histórico, complicado por tartamudez y su propia personalidad y no tan conocido para el espectador que sea fuera del ámbito anglosajón (a pesar de haber sido Rey) en un personaje cálido y cercano para el público. Todo esto le da puntos para que el Oscar esté en sus manos, sin embargo, confieso que Firth dio una mejor actuación en A single Man. 

Las bases de la cinta son su generoso reparto. Geoffrey Rush realiza un papel simpático, agradable y sarcástico, que en momentos me recuerda mucho al profesor de Mi Bella Dama. Rush aporta el lado relajado y en momentos cómicos a la película, lo cual se agradece en suavizar la cinta, que en momentos se puedo haber tornado aburrida. A este dúo se les une Helena Bonham Carter, quien simplemente cumple su rol. 

La dirección de planos que utiliza el Director mostrando la evolución de cercanía-lejanía entre los dos principales personajes, según el momento de aprendizaje y de negación o reconocimiento de los progresos en la actitud de Bertie (Jorge VI), no sólo ante su tartamudez, sino que, también del ciudadano corriente del cual no tiene conocimiento ni relación. Resulta admirable que en una película cuyo tema central es el habla, se preste tanta atención al lenguaje visual como al lenguaje oral, evitando la tentación de lo teatral, tan cara a la cinematografía inglesa. 

Cabe mencionar el grandioso score hecho por el genio contemporáneo, Alexandre Desplant, quien logra un melódico, dramático y alegre score, preciso para la evolución del personaje. 

Una gran película que cuenta con todo para ser la gran ganadora de los Oscar en muchos apartados. Firth demuestra su talento al presentar un sublime actuación, y dejar en claro a la academia que no sólo es un actor de comedias románticas, y que A Single Man no fue de chiripada.
Diego S.

martes, 22 de febrero de 2011


Mis Bandas Sonoras Favoritas

Top 5 Banda Sonoras 
Parte fundamental de muchas cintas es la banda sonora –que es muy distinta al score--, cintas como Nick y Norah,  no serían tan efectivas sin su excelente playlist  que hace que la cinta juvenil sea aún más disfrutable. Juno, logró obtener gran difusión por su generosa selección musical, el soundtrack estuvo meses dentro del Itunes como uno de los soundtracks más vendidos. A continuación les dejo cinco de mis bandas sonoras favoritas, resulta curioso que en tres de ellas el protagonista es Michael Cera.

5. Juno
La música enfatiza aún más la personalidad de Juno Mcguff, quien resulta ser una jovencita políticamente incorrecta, y por medio de la música nos revela que Juno evita a toda costa en el arquetipo de una chica de 16 años. Excelente selección. Track favorito : All I Want Is You.
4. Scott Pilgrim Vs The World
Un soundtrack atípico, que en momentos creí que la cinta se iría por el camino fácil al seleccionar música de bandas  electrónicas y ocurre todo lo contrario, la lista de canciones es tan diversa que encanta. Beck, Metric y Borken Social Scene lo más destacado. Track favorito: Garbage truck de Beck.


3. Eclipse
Odio las cintas de crepúsculo, pero, definitivamente lo que no hacen con la cinta, lo logran con su score y su banda sonora. Lo mejor de la escena independiente está reunida en esta gloriosa selección musical. Muse con su tema principal, Florence and the machine con su oscura balada y la nueva banda de Jack White, The Dead Weather. ¿Qué más se puede puede pedir para remediar tremenda mierda?. Track favorito: Rolling On  The Buring Tire
2. 500 Days Of Summer
Como me grada la música independiente, 500 Days Of Summer reúne un tracklist que armoniza la particular relación entre los dos protagonistas. Pistas alegres para marcar los momentos de felicidad en la vida de pareja de Tom –recordemos la escena con pajaritos y todo para darnos cuenta de la felicidad que inundaba al personaje--, y del otro lado los momentos triste con canciones de la ahora odiada, La primera dama de Francia, Carla Bruni. Caso especial la tan sonada Sweet Disposition de The Temper Trap. Track Favorito: Sweet  Disposition.
1. Nick and Norah’s Infinite Playlist
La conglomeración de mis gustos se encuentra en el soundtrack de esta película que no resaltó por su nula promoción. Cada una de las canciones que contiene son una parte específica de la película, todo el tiempo hay música, no cansa, después de ver la película lo único que hice fue buscar enseguida la banda sonora.  La recopilación es divertida, fresca, todo lo que un adolescente y no tan joven, puede disfrutar sin caer en los temas comerciales. Vampire Wekeend, The Submarines, We Are The Scients y Army Navy son solo algunos de los que aportan su pieza musical. Grandioso. Desde que se estrenó la cinta, el soundtrack no se ha borrado de mí ipod. Track favorito: todo elegir una me es difícil. 




Diego S.

lunes, 21 de febrero de 2011


Juego de Lágrimas, dos facetas en una historia vibrante


La película se divide en dos partes. En la primera desarrolla un thriller psicológico, protagonizado por un soldado británico, Jody (Forest Whitaker), secuestrado por el IRA y el encargado de su custodia, Fergus. Las largas horas de espera hacen que nazca entre ambos una singular amistad, propiciada por la compasión de Fergus y la desbordante humanidad de Jody, deportista, hablador, vitalista, enrolado como voluntario en el Ejército para huir del paro. La confianza que se establece entre ellos se enmarca en una acción terrorista despiadada. En la segunda parte, Fergus se instala en Londres, adopta el nombre de Jimmy y anda a la busca de la novia de Jody, una bella y delicada muchacha, Dil, que frecuenta un concurrido pub al finalizar su jornada laboral. La relación romántica entre Dil y Jimmy se enfrenta a problemas imprevistos de identidad y orientación sexual, que no impiden el nacimiento de un amor tan humano como sincero, que se afirma sin concesiones y sin límites límites. Los dos necesitan sentirse aceptados como son (por encima de sus secretos), ser deseados, queridos y amados. La obra explora, con sobriedad e inteligencia, la realidad de un amor humano, honesto y sincero, capaz de superar ideas preconcebidas, barreras mentales y tribulaciones internas.

La música original, de Anne Dudley ("Tristán e Isolda", 2006), brillante, colorista y emotiva, está interpretada por Pro Arte Orchestra of London. La música añadida contiene canciones tan bonitas como "Cuando un hombrre ama a una mujer", "Las rocas blancas de Dover" y "Let The Music Play". La fotografía elabora una narración muy efectiva que se integra, con acierto y sin ostentaciones estilísticas, en la narración general. El guión, muy bien escrito, desarrolla una historia vibrante, profundamente humana, sorprendente y cautivadora. La intepretación de Stephen Rea y la de Jaye Davidson son magníficas. La dirección aporta coherencia interna a las dos facetas de un thriller psicológico y romántico, que contiene genuinos elementos dramáticos de tensión, intriga y sorpresa.

Película bien interpretada y muy bien escrita, que trata con maestría un tema clásico y universal, de gran interés. El título corresponde al de una canción original de Dave, de 1960.

Diego S.


domingo, 20 de febrero de 2011


La casa de los dibujos más irreverente que nunca


Muchas series animadas después de lograr un éxito en la televisión por cuestiones económicas dan el salto a la pantalla grande. Los Simpson lo hicieron con un éxito mediano después de más de una década de trasmitir en tv abierta. La serie irreverente de South Park, hizo lo suyo entregando una cinta repleta de humor negro del que la caracteriza, tan bueno fue su recibimiento que, South Park: más grande, más largo y sin cortes, obtuvo una nominación al Oscar a mejor canción. En esa misma línea temática sobre series desenfadadas, grotescas y repletas de sexualidad –la familia amarilla difiere un poco-- se encuentra, La casa de los dibujos. 

Morocha amorocha se da cuenta que cuando dice insultos obscenos ya no es censurado por los productores del programa, la investigadora cachonda de misterios recibe insultos de la Princesa Clara, pero pronto llega a la conclusión que los productores de la serie han cancelado el programa, por lo que llama al director de la cadena y así inicia la odisea de los poco usuales dibujos animados. 

El largometraje que continúa con la historia del reality show de la parodia pude resultar repugnante para el público ajeno a este tipo de series para adultos, por su alto contenido sexual, sí sexual. El largometraje animado contiene lo más explícito que se ha mostrado en dibujos animados –un trío lésbico—sin llegar entrar en el manga ánime, además de atreverse a mostrar los genitales en una película de animación. 

La película tiene buenos gangs y buenas escenas, el "giro" de la Princesa verdadera, la segunda escena de Morocha con Lulú de carton y las relaciones de la "novia" del Capitanazo se lleva la cinta, todos mis respetos por llegar a esos extremos del humor negro, que es lo que todo mundo se espera de una serie sin tampujos. 

El único pero de el traspaso al cine y que la mayoría de las series en general sufren es, el evitar caer en el típico “parece un episodio extendido”, que La casa de los dibujos no lo evita, aún así, la cinta entretiene y lo mejor, es que gracias a que se estrenó directo en DVD la censura se la pasa por el arco del triunfo. 

Esperemos que cuando se exporte a México se logre el doblaje latino, ya que es lo más gracioso de la serie.

Diego S.

sábado, 19 de febrero de 2011


Juno, la madurez de la comedia indie

Cinta que resulta ser una simpática comedia que resalta por su armónico elenco y su inteligente guión, enfundado como una comedia adolescente

El cine independiente se ha caracterizado por contar historias poco común y hasta cierto punto atrevidas. Una de esas cintas que dejaron buen sabor de boca por su irreverente manera de tocar un tema recurrente fue, Juno. La cinta que se coronó como toda una líder en taquilla me resulta muy carismática. 

Juno Macguff (Ellen Page) tiene 16 años y es, según los adultos, más inteligente de lo que le conviene. Ciertamente, es ingeniosa, culta, rápida en las respuestas, observadora y, sobre todo, sarcástica. Ese sarcasmo no es más que una coraza para ocultar sus miedos y dudas. Debido a la relación que mantiene con un compañero de clase, Bleeker (Michael Cera), se queda embarazada. Y, como él se desentiende del problema, Juno toma una decisión que cuenta con la aprobación de su familia: tendrá el niño y lo dará en adopción. Ahora hay que encontrar unos padres adoptivos adecuados. 

La cinta de Jason Reitman pudo caer en un lugar común, lo que logró rescatarla en creces fue su excelente guión y la destacable actuación de Ellen Page. El guión está perfectamente bien desarrollado al ser plenamente descriptivo e innovador, y lograr sacar de una historia que se muestra superficialmente sencilla, para convertirla en algo grande. ¿Exagero? La historia nunca cae en algo típico, no se vuelve en un dramón lacrimógeno, de hecho a toda costa lo evita, y logra engancharte por los diálogos ácidos y repletos de sarcasmo y por lo simpático de cada personaje. ¿Cuándo un desarrollo de una adolescente se volvió entretenido? Juno consigue, que la adolescencia de una joven, su forma de madurar, y sobre todo su embarazo, te hagan tener los ojos constantemente en la pantalla. 

Ellen Page es Juno en carne y hueso. Page crea un personaje poco común, entrañable, simpático, y bien realizado. La joven actriz construye un personaje maduro y profundo en actitud y personalidad. Ellen Page, funda al personaje con presencia convencida y gestualidad enérgica. Lo dota de una gracia peculiar y crea su lenguaje, casi se podría decir su idioma: estrambótico y pirotécnico; propio de una conciencia despierta e inteligente, y además rápido, chispeante, ocurrente, sarcástico. Juno es Page, Page es Juno. 

La cinta es amenizada por la música que en gran parte de la cinta hace presencia, compuesta mayoritariamente por canciones de Kimya Dawson y dos de sus grupos, Antsy Pants y The Moldy Peaches. Todos los temas suponen un acompañamiento acertado para las acciones representadas en la película, siguiendo el ritmo travieso e inconformista que transmite la protagonista, siendo su soundtrack un gran logro para acentuar la personalidad de Juno. 

Al final la cinta resulta ser una simpática comedia que resalta por su armónico elenco y su inteligente guión, enfundado como una comedia adolescente, pero que al final nunca fue pensado para hacer reír a los seguidores de cintas estilo American Pie.

Diego S.

viernes, 18 de febrero de 2011


Zona de miedo la guerra desde otro ángulo

Película bélica que deja de lado el discurso didáctico que suele acompañar a los relatos de guerra políticamente correctos.

La película acompaña a un grupo de expertos artificieros destacados en Irak, y asume el objetivo de retratar la guerra como adicción, como una droga que se asienta en el imaginario de sus participantes y los convierte en mercenarios de su propio deseo de acción adrenalínica. Para conseguirlo, la dirección construye un sofisticado mecanismo ritual en el que, misión tras misión, los artificieros se entregan a la tensión de la inacción, a la espera del estallido final. 
No hay en el relato rastro de ideología, ni intereses petrolíferos, ni armas de destrucción masiva, sólo tres hombres enfrentados a la única fuerza motora posible para el ser humano en guerra: la supervivencia. Más allá, cuando la condición militar se hace tragedia, emerge la venganza.

A nivel dramático, la película recuerda intensamente a las películas bélicas de Samuel Fuller (The Big Red One,The Steel Helmet) mientras que la puesta en escena podría formularse como una suerte de Tony Scott vaciado de épica y de estallidos catárticos, o mejor aún, la trascripción bélica de lo conseguido por el gran Johnnie To en The Mission, una poética de la suspensión de la acción.
La película roza la crisis cuando se acerca a la psicología (los traumas de los personajes), pero los resuelve con un ingenio ejemplar, como en el caso del soldado que lleva consigo una caja con aquellos objetos “que podrían haberlo matado” (detonadores de bombas y un anillo de boda).

En resumen el film intenta transmitir el lado más humano de los soldados, un aspecto más cercano en el que se muestran sus sentimientos y emociones. No obstante, se trata de un largometraje estadounidense donde los protagonistas, los buenos de la película, son los norteamericanos; pero los iraquíes pasan a un segundo plano y se convierten en los verdugos.
Los secundarios de lujo Guy Pearce, Ralph Fiennes y David Morse, esporádicos pero aportando su granito de calidad.

Desconcertante es un adjetivo que le cuadra a esta polémica película bélica que deja de lado el discurso didáctico que suele acompañar a los relatos de guerra políticamente correctos. A su atípica directora (Kathryn Bigelow, con una larga trayectoria en filmes de acción), le interesa diferenciarse en este sentido y acercar materiales que puedan ser experimentados por los espectadores. Así, construye una historia sólida y fuerte que habla por sí misma.

jueves, 17 de febrero de 2011


Amigos con derecho una copia relajada de 500 días con ella.


Digamos que después de ser la gran triunfadora en la temporada de premios, Natalie Portman, hace lo suyo para mostrar que es una actriz variable. Amigos con derecho,  es su entrada correcta al mundo de las comedias románticas de fórmula.

Natalie Portman y Ashton Kutcher son dos amigos que están de acuerdo en iniciar una aventura casual, pensando que pueden hacerlo sin ningún tipo de carga emocional. Pero entonces el amor se interpone en el camino y deben decidir si realmente pueden hacer que su recién definida amistad funcione.
Olvidemos que el protagonista masculino es Ashton Kutcher, quien es el Jennifer Aniston masculino al mostrarse estancado en un mismo papel, el típico romántico empedernido con grandes abdominales –un momento subió de peso y tiene estrías en el trasero--, salvo que en esta ocasión no le inyectó su añeja técnica del tipo gracioso.
No se debe de juzgar a Portman por elegir un proyecto de empaque romántico después del maravilloso papel de, El cisne negro, la joven actriz entrega un papel acertado como una mujer moderna que ya no  está en busca del amor y se dedica a ser una “hombrezuela”, terminando como una perra sin sentimientos.
Amigos con derecho, no evita que recuerde la refrescante cinta de Marc Webb, 500 días con ella (500 days of summer/2009), ya que la cinta resulta ser una copia pensada en el público de Mr. Kutcher, pero sin mantener el aire de empatía que resaltaba de la cinta de Webb.
Pasable sólo por ver a la hermosa Sra. Portman  en un título meramente comercial después de su participación en  saga de La guerra de las galaxias, sin embargo, será un hit para los pubertos que viven en la época “relajada” donde las mujeres son las sexuales que rechazan el amor, y los hombres son los románticos que buscan a su media naranja. El público que disfrutó Amor y otras adicciones (Love and other drugs, Fierbeng/2010) amará amigos con derecho, la cinta es generacional para los que emplean el facebook y el término “fuckbuddy”.
Diego S.

miércoles, 16 de febrero de 2011


El peleador es Bale

"Quítate Mark, que me tapas a Bale"

Típico se ha vuelto el tocar el tema dramático del boxeo. Recordemos cintas excelentes como, Million dollar baby, donde se evita un drama lacrimógeno y deja a un lado el deporte y sólo se centra en desentrañar al personaje. Otra cinta que toca el tema sobre un ring es, El luchador del ningundeado, Darren Aronofsky, donde no sólo revela la cruel realidad del mundo de la lucha libre, si no que, se interna en un mundo devastador de un personaje perdido. Estos son los dos únicos casos recientes que lograron destacar sobre el ya desgastado tópico del deporte. El peleador es Bale. 

Dicky Eklund (Christian Bale), es un boxeador convertido en entrenador que intenta levantar cabeza después de verse inmerso en una peligrosa mezcla de drogas y delincuencia. Eklund entrenará a su casi hermano "irlandés" Micky Ward (Mark Wahlberg), a mediados de los años 80, y será recordado por tres épicos combates contra Arturo Gotti. 

No puedo iniciar la sinopsis de otra manera sin mencionar primero a Bale, reitero, el peleador es Christian Bale, no más. El demacrado actor –de nueva cuenta bajó de peso de una manera exagerada--se convierte tanto físicamente como psicológicamente, en el junkie deportista: sus gestos, su imagen, ¡su mirada! resultan aterradores al personificar una calca exacta de un drogadicto, todo esto tiene su mérito, el Oscar. 

¿Y el protagonista? Wahlberg, su personaje es plano como una tabla de planchar y poco puede hacer con él para lucir, sólo le puede sacar jugo a sus mañas como boxeador, y todo hay que decirlo, sólo boxea bien. Pero inevitablemente, hay escenas en las que piensas: "Quítate Mark, que me tapas a Bale". 

Melissa Leo y Amy Adams resultan correctas. Tengo que decirlo, me esperaba más de Leo, su actuación me pareció buena a secas –me esperaba a una hija de perra, no la encontré--. Adams va en camino por una estatuilla en un fututo. 

La estética de la cinta me pareció gratificante y arriesgada, los colores desaturados de la fotografía y el manejo de la cámara, evocan a un cinta noventera. Mención honorífica para las escenas de peleas que son atrevidas al parecerse a una pelea de boxeo televisiva de los años noventa. 

El peleador se disfruta por su reparto –salvo el rol principal--, por su ingeniosa manufactura y tengo que decirlo, el ejército de perras que tiene como hijas aportan momentos graciosos que relajan la cinta que, en momentos se torna un poco larga al no tener un clímax claro, aún así, El peleador no es aburrida. Recomendable.

Diego S.

martes, 15 de febrero de 2011


An education el nacimiento de un talento, Mulligan


Lone Sherfig se dio a conocer internacionalmente con una película adscrita al movimiento Dogma danés. Afortunadamente esta película de título Italiano para principiantes resultó ser una de las comedias más gozosas y disfrutables de ese año. Después de esta película y salvo una desconocida excepción, Lone Sherfig ha rodado sus siguientes largometrajes en el Reino Unido. Con la atractiva Wilbur se quiere suicidar la directora danesa mantenía cierta frescura, que el estilo clásico y convencional de An education no tiene. Pero tiene otras virtudes.

Enseñanza de vida --como se conoce en México-- cuenta la historia de Jenny una adolescente que crece durante los años sesenta con la ilusión de ir a la universidad, y escapar de ese inevitable futuro que convertirá a la mayoría de chicas de su edad en impecables madres y esposas. Pero en la vida de Jenny se cruzará un hombre que casi le dobla la edad, y gracias al cual vivirá en una nube de ilusión que le hará olvidarse de sus antiguas prioridades. 

Lone Sherfig adapta en esta película la autobiografía de la periodista Lynn Barber a partir de un guión del escritor británico Nick Hornby, que ya había adaptado anteriormente novelas suyas, pero que es la primera vez que lo hace con un texto ajeno. 

El resultado es una película modélica, a la que la directora no aporta nada que no estuviera ya previamente escrito en el guión. Con buen gusto y poca imaginación, Lone Sherfig dirige una historia que ya hemos visto muchas veces antes. Pero aun así consigue que siga resultando fresca y muy entretenida. Cae en los tópicos, pero lo hace con estilo elegancia. En cada nueva película parece que al directora Lone Sherfig arriesga menos, juega sobre seguro, y se deja llevar por un guión muy bien escrito que ella resuelve de forma tan eficaz como convencional.

En cualquier caso la película no sería lo que es sin la presencia de su actriz protagonista, secundada a su vez por un impecable reparto. Es la hasta entonces desconocida, Carey Mulligan quien, con una infinita gama de matices y desbordando entusiasmo y pasión en cada fotograma, consigue que una historia como la de An education parezca nueva y viva. Afortunadamente no está sola. Junto a ella el siempre impecable Peter Sarsgaard vuelve a ser un prodigio de sutileza en el papel más difícil de la película, mientras que veteranos como Alfred Molina y Cara Seymour, o en intervenciones más breves Emma Thompson y Olivia Williams, consiguen que el de Enseñanza de vida sea uno de los repartos más notables que se hayan visto últimamente.

Aunque no se puede decir que la carrera de Lone Sherfig haya perdido interés, ya que esta película está por encima de la media, si estaría bien que en próximos proyectos se arriesgara un poco más, ya que talento para ello tiene de sobra como demostró en su primera película.
Diego S.


lunes, 14 de febrero de 2011


Lista BAFTAS 2011

La noche de ayer domingo, aunque toda la atención se centró en los Grammy, en Londres se llevó a cabo los premios Bafta, el par británico de los Oscars.
  1. Mejor Película: El discurso del rey.
  2. Mejor actor: Colin Firth (El discurso del Rey)
  3. Mejor actriz: Natalie Portman (El Cisne negro)
  4. Mejor director: David Fincher (La Red Social)
  5. Mejor actor de reparto: Geoffrey Rush (El discurso del Rey)
  6. Mejor actriz de reparto: Helena Bonham Carter (El discurso del Rey)
  7. Mejor película animada: Toy Story 3
  8. Mejor guión adaptado: Aaron Sorkin (La Red Social)
  9. Mejor guión original: David Seidler (El discurso del Rey)
  10. Mejor película de habla no inglesa: The girl with the dragon tatto.
  11. Mejor cinematografía: True Grit.
  12. Mejor diseño de producción: El Origen.
  13. Mejor edición: La Red Social.
  14. Mejor sonido: El Origen.
  15. Mejores efectos especiales: El Origen.
  16. Mejor música original: El discurso del Rey.
  17. Mejor diseño de vestuario: Alicia en el país de las maravillas.
  18. Mejor maquillaje y estilismo: Alicia en el país de las maravillas.

domingo, 13 de febrero de 2011


Lista de ganadores Goya 2011


  • Mejor Direccion: Agustí Villaronga, por "Pá Negre".

  • Mejor Guión Original: Chris Sparling, por "Buried".

  • Mejor Música Original: Alberto Iglesias, por "También la lluvia".

  • Mejor Interpretación Masculina Protagonista: Javier Bardem, por "Biutiful".

  • Mejor Interpretación Masculina de Reparto: Karra Errejalde, por "También la lluvia".

  • Mejor Actor Revelación: Francesc Colomer, por "Pá Negre".

  • Mejor Dirección de Producción: Cristina Zumárraga, por "También la lluvia".

  • Mejor Montaje: Rodrigo Cortés, por "Buried".

  • Mejor Diseño de Vestuario: Tatiana Hernández, por "Lope".

  • Mejor Sonido: Urko Garay, Mateo Ortiz y James Muñoz, por "Buried".

  • Mejor Pelicula de Animación: Fernando Trueba y Javier Mariscal "Chico y Rita".

  • Mejor Película Hispanoamericana: Matías Bize, por "La Vida de los Peces" (Chile).

  • Mejor Cortometraje de Ficción Español: Maria Reyes Arias González, por "Una caja de botones".

  • Mejor Cortometraje Documental Español: Ramón Margareto, por "Memorias para un cine de provincias".

  • Mejor Dirección Novel: David Pinillos, por "Bon Apetit".

  • Mejor Guión Adaptado: Agustí Villaronga, por "Pá Negre".

  • Mejor Canción Original: Jorge Drexler "Que el soneto nos tome por sorpresa", por "Lope".

  • Mejor Interpretación Femenina Protagonista: Nora Navas, por "Pá Negre".

  • Mejor Interpretación Femenina de Reparto: Laia Marull, por "Pá Negre".

  • Mejor Actriz Revelación: Marina Comas, por "Pá Negre".

  • Mejor Dirección Fotografía: Antonio Riesca, por "Pá Negre".

  • Mejor Dirección Artística: Ana Alvargonzález, por "Pá Negre".

  • Mejor Maquillaje y/o Peluquería: José Pedro Peretti y equipo, por "Balada Triste de Trompeta".

  • Mejor Efectos Especiales: Reyes Abades y Ferrán Piquer, por "Balada Triste de Trompeta".

  • Mejor Película Documental: Carlos Bosch, por "Bicicleta, cuchara, manzana".

  • Mejor Película Europea: Tom Hooper, por "El Discurso del Rey" (UK).

  • Mejor Cortometraje Animación Español: Pedro Solís García, por "La Bruxa".


  • sábado, 12 de febrero de 2011


    Nominados Goya 2011


    MEJOR PELICULA
    Balada triste de trompeta, Álex de la Iglesia
    Buried, Rodrigo Cortés
    Pa Negre, Agustí Villaronga
    También la lluvia, Icíar Bollaín
    MEJOR DIRECTOR
    Rodrigo Cortés, Buried
    Agustí Villaronga, Pa Negre
    Icíar Bollaín, También la lluvia
    Álex de la Iglesia, Balada triste de trompetaín
    ACTOR PROTAGONISTA
    Antonio de la Torre, Balada triste de trompeta
    Javier Bardem, Biutiful
    Ryan Reynolds, Buried
    Luis Tosar, También la lluvia
    ACTRIZ PROTAGONISTA
    Elena Anaya, Habitación en Roma
    Emma Suárez, La mosquitera
    Belén Rueda, Los ojos de Julia
    Nora Navas, Pa Negre
    ACTOR DE REPARTO
    Eduard Fernández, Biutiful
    Álex Angulo, El Gran Vázquez
    Sergi López, Pa Negre
    Karra Elejalde, También la lluvia
    ACTRIZ DE REPARTO
    Terele Pávez, Balada triste de trompeta
    Ana Wagner , Biutiful
    Pilar López de Ayala, Lope
    Laia Marull, Pa Negre
    ACTOR REVELACION
    Juan Carlos Aduviri, También la lluvia
    Francesc Colomer, Pa Negre
    Manuel Camacho, Entre lobos
    Oriol Vila, Todas las canciones hablan de mí
    ACTRIZ REVELACION
    Aura Garrido, Planes para mañana
    Carolina Bang, Balada triste de trompeta
    Marina Comas, Pa Negre
    Natasha Yarovenko, Habitación en Roma
    DIRECCION NOVEL
    David Pinillos, Bon Apetit
    Emilio Aragón, Pájaros de papel
    Juana Macías, Planes para mañana
    Jonás Trueba, Todas las canciones hablan de mí
    DIRECCION DE PRODUCCION
    Pa Negre, Aleix Castellón
    También la lluvia, Cristina Zumárraga
    Lope, Edmon Roch Colom y Toni Novella
    Balada triste de trompeta, Yousaf Bokhari
    FOTOGRAFIA
    Pa Negre, Antonio Riestra
    Buried, Eduard Grau
    Balada triste de trompeta, Kiko de la Rica
    Biutiful, Rodrigo Prieto
    GUION ORIGINAL
    Álex de la Iglesia, Balada triste de trompeta
    Alejandro G. Iñarritu, A. Bó, N. Giacobone, Biutiful
    Paul Laverty, También la lluvia
    Chris Sparling, Buried
    GUION ADAPTADO
    Jordi Cadena, Elisa K
    Agustí Villaronga, Pa Negre
    Ramón Salazar, Tres metros sobre el cielo
    Julio Medem, Habitación en Roma
    DIRECCION ARTISTICA
    Pa Negre, Ana Alvargonzález
    Biutiful, Brigitte Broch
    Lope, César Macarrón
    Balada triste de trompeta, Edou Hydallgo
    MONTAJE
    Balada triste de trompeta, Alejandro Lázaro
    También la lluvia, Ángel Hernández Zoido
    Buried, Rodrigo Cortés
    Biutiful, Stephen Mirrione
    MUSICA ORIGINAL
    Balada triste de trompeta, Roque Baños
    Biutiful, Gustavo Santaolalla
    Buried, Víctor Reyes
    También la lluvia, Alberto Iglesias
    CANCION ORIGINAL
    In the lap of the mountain, Víctor Reyes y Rodrigo Cortés (Buried)
    Loving Strangers, Russian Red (Habitación en Roma)
    Que el soneto nos tome por sorpresa, Jorge Drexler (Lope)
    No se puede vivir con un franco, Emilio Aragón (Pájaros de papel)
    DISEÑO DE VESTUARIO
    Pa Negre, Mercè Paloma
    Balada triste de trompeta, Paco Delgado
    También la lluvia, Sonia Grande
    Lope, Tatiana Hernández
    SONIDO
    Balada triste de trompeta, Ch. Schmukler, D. Garrido y Ch. Schmukler
    Buried, U. Garai, M. Orts y J. Muñoz
    Pa Negre, D. Fontrodona, F. Novillo y R. Casals
    También la lluvia, E. Cortés, N. Royo-Villanova y P. Gutiérrez
    MAQUILLAJE Y PELUQUERIA
    Balada triste de trompeta, J. Quetglas, P. Rodríguez y N. Sánchez
    Lope, K. Soler, M. Trujillo y P. Rodríguez
    Pa Negre, A. Casal y S. Merino
    También la lluvia, K. Soler y P. Rodríguez
    EFECTOS ESPECIALES
    Balada triste de trompeta, R. Abades y F. Piquer
    Buried , G. Paré y À. Villagrasa
    También la lluvia, G. Harry Farias y J. Nogales
    Lope, R. Romanillos y M. Siqueira
    PELICULA DE ANIMACION
    La tropa de trapo en el país donde siempre brilla el sol, Álex Colls
    Chico y Rita, F. Trueba, J. Mariscal y A. Errando
    El tesoro del Rey Midas, Maite Ruiz de Austri
    Las aventuras de Don Quijote, Antonio Zurera
    PELICULA DOCUMENTAL
    Bicicleta, cuchara, manzana, Carles Bosch
    Ciudadano Negrín, S. Monleón, C. Álvarez e I. Uribe
    How Much does Your Building Weigh, Mr. Foster?
    N. López y C. Carcas
    María y yo, Félix Fernández de Castro
    CORTOMETRAJE DE FICCION
    Adiós papá, adiós mamá
    Luis Soravilla
    El orden de las cosas
    Hermanos Esteban Alenda
    Una caja de botones
    María Reyes Arias
    Zumo de limón
    J. Muriel y M. Romero
    CORTO DOCUMENTAL
    El cine libertario: cuando las películas hacen historia
    V. Vigil y J.M. Almela
    El pabellón alemán
    Juan Miralles
    Memorias de un cine de provincias
    Ramón Margareto
    Un dios que ya no ampara
    Gaizka Urresti
    CORTO ANIMACION
    Exlibris, Clara Trénor
    La bruxa, Pedro Solís
    La torre del tiempo (The Tower of Time), José Luis Quirós
    Vicenta, SAM
    PELICULA HISPANOAMERICANA
    Contracorriente, Javier Fuentes-León
    El hombre de al lado, Gaston Duprat y Mariano Cohn
    El infierno, Luis Estrada
    La vida de los peces, Matías Bize
    PELICULA EUROPEA
    El escritor, Roman Polanski
    El discurso del Rey, Ton Hooper
    La cinta blanca, Michael Haneke
    Un profeta, Jacques Audiard