lunes, 31 de diciembre de 2012


Lo mejor del cine en 2012

Como cada año les dejo mi lista personal sobre lo mejor del cine del 2012. Este año me sorprendió toparme con varios blockbusters dentro de mi lista. Antes ya había publicado lo mejor del primer semestre, por lo tanto, están incluidas las mismas cinco pero en distintos lugares al completarse con el resto de las cintas del segundo semestre.

10.-Prometeo- Prometheus 

Me considero fan del género de ciencia-ficción desde hace años y como a muchos seguidores de este género la película de Alien: El octavo pasajero encabeza nuestra lista de pelis favoritas. Ridley Scott creo que no ha hecho nada mejor desde entonces, pero aun así, es un director al que siempre le doy una oportunidad cada vez que estrena cinta nueva.

Prometheus no ha sido una excepción, desde que supe de ella mis ganas iban aumentando, y debo decir tras verla, que como película de ciencia-ficción es buena, entretiene pero lamentablemente no llega ni por asomo al suspenso y el terror de Alien. 

El argumento plantea preguntas universales, ¿De dónde venimos?, ¿Cuál es nuestro origen?, o ¿Por qué estamos aquí?, a las cuales intentan dar respuesta un grupo de científicos que viajan en la nave que da nombre a la película, siguiendo un mapa estelar grabado en diferentes lugares de nuestro planeta y de culturas muy distantes en espacio y tiempo.

La historia engancha desde el principio, pero sin llegar a ser muy original, el guión no está del todo trabajado, dejando varios cabos sueltos, o como yo lo veo, incógnitas para que el espectador las interprete a su manera. Aunque la mayoría de la trama queda bien atadita, se te queda una espina al final, esperando algo más, una explicación, un porqué...aunque conociendo a estos de hollywood nos las darán en una segunda parte.




9.-Los Vengadores-The Avengers 

Los Vengadores es el perfecto objeto blockbuster del deseo entre el equilibrio geek-friki-cómic y la simpatía del espectador de cine comercial. Puro entretenimiento que actúa como si fuera consciente de encontrarse en un circo de tres pistas, con ritmo vibrante, mientras se sabe reír de sí misma pero también de disfrutar con lo que hace. 

Whedon parece encarnar a un cinéfilo Ojo de Halcón que se ha metido en una cabina telefónica con cientos de películas y cómics de superhéroes y ha sabido reinventarlas en una sola para armarse y vestirse con ella. Ahora él es el nuevo superhéroe, el cielo lo pone el espectador. Las palomitas de maíz y las gafas en 3D tienen un nuevo salvador recorriendo y surcando el firmamento. Más allá de Marvel y el centrifugado emocional, más allá de los renglones y la imaginación de un buen puñado de viñetas, más allá de cientos de vuelos fallidos previos… Los Vengadores llega para marcar la línea que el resto tendrá que superar. Y créanme, es demasiado elevada, está simplemente ya en otro universo.





8.- Las Ventajas de Ser Invisible- The Perks Of Being a Wallflower

Me tomó tiempo asimilar la historia debido a que me vi reflejado en varias ocasiones con alguno de los tres protagonistas, tengo que admitir que no esperaba mucho de la cinta debido a su reparto, cosa que me hacía pensar que sería un churro adolescente, resultó todo lo contrario. Disfruté cada una de las actuaciones, amé el glorioso soundtrack que trajo lo mejor de los ochentas y me hizo recordar mi adolescencia. Las Ventajas de Ser Invisible es inspiradora a pesar de su intensidad, es dramática sin ser sensiblera, logra hacernos sonreír mientras vemos la transformación de Charlie, los espectadores sonreímos mientras él entiende que no necesita encajar en el mundo de todos, que basta con poder encontrar el sentido de su propia vida y contar con el apoyo de sus pocos, pero verdaderos amigos. Una obra que trata los problemas de la vida, y que si bien se sitúa en una etapa de la existencia humana, nos sentimos identificados con la historia no solo porque todos fuimos muy jóvenes, sino también porque los problemas son comunes a todas las edades.




7.-Deseos Culpables-Shame 

Shame es impactante, brutal. No es fácil explicarla con palabras. Una película que sacude al espectador desde el primer momento y desnuda los instintos más "guarros" del ser humano. Shame es una odisea de emociones desde su primer instante, consigue impregnar de un ambiente algo perturbador y melancólico una adicción al sexo que acorrala al protagonista.

Brandon es incapaz de iniciar una relación formal temiendo que todo se vaya a pique, que su instinto insano provoque repulsión de los demás. Sabe que necesita ayuda y que no se puede controlar.
Shame no utiliza el mero hecho sexual para ganar adeptos, sino que este planteamiento agiliza la labor del director en mostrar la parte más dañina de una persona y cómo en ocasiones se vuelve irreversible. El descenso a los infiernos de el protagonista está narrado con tanto acierto que nos arrastra por completo a experimentar su angustia.

La película es un drama psicológico exacto, sin acompañamientos innecesarios. No se detiene en ningún momento y cada escena está lograda con la precisión que requiere.
En esta impecable realización se echa de menos la nominación a los Oscar de Michael Fassbender como mejor actor protagonista y la de Carey Mulligan, que interpreta a su hermana (la cual tiene un peso importante en la cinta). El guión de McQueen también es superior y su dirección fantástica. Y por supuesto su banda sonora consigue atraer de manera eficaz la puesta en escena, haciéndola efectiva y eficaz (sobre todo en las escenas finales y el comienzo).




6.- Asesino del Futuro -Looper 


Tenía años sin disfrutar de una película de ciencia ficción como tal, Asesino del Futuro me tenía al borde del asiento durante toda la cinta. Pero no sólo lo destacable de la historia, si no qué, su excelente guión, su grandioso cast y la reinvención de los viajes en el tiempo. Estamos ante una de las joyas del Sci-Fi de la década que comienza. Bruce Willis nos da su mejor interpretación en años y Joseph Gordon-Levitt se postula como uno de los grandes dentro de los blockbusters.





5.-Drive: El Escape- Drive 

El sonido y la música es para esta película lo que su personaje principal es a la conducción.
Es una película que demuestra lo que es interpretar sin necesidad de hablar, enseña cómo crear un personaje principal con imágenes y sonidos, cómo contar sentimientos con primeros planos y miradas.
Drive no es sólo un espectáculo visual --que lo es--, cada motivo musical de la banda sonora puede ser extraído de la cinta --junto con sus imágenes-- dando como resultado un videoclip de calidad aplastante.
Tras verla tres veces puedo decir que entender las letras de la banda sonora le da un significado extra a la psicología del personaje y un brillo más intenso a la película.




4.- Argo- Argo

Como actor nunca nos ha terminado de convencer, como director, Ben Affleck sigue impactándonos y de qué forma. Argo, sencillamente es cine del mejor. Aunque el desenlace de la historia es el consabido final feliz de la historia real, Affleck consigue angustiarnos, jugar a su antojo con nuestras emociones como si fuese el mismo Alfred Hitchock encarnado en él. El manejo correcto de cada fotograma, incluso en los créditos finales acompañados de la musicalización precisa hace que uno no quiera irse de la sala de cine. Bravo por Ben quien se está haciendo de un nombre como director. 


3.-Amor- Amour

Una cinta como pocas. Tuve la oportunidad de verla en “lo mejor del FICM” y sólo reafirmó mi gusto por el director austriaco, Michael Hanke. Amour es un retrato sincero y simplista sobre la vejez, enfermedad y la muerte. Un retrato honesto acerca del amor a largo tiempo y que dicta que al final el sentimiento puede seguir por años aunque las acciones digan lo contrario.




2.-Tenemos Que Hablar De Kevin 

Si vamos hablar de robos de los Oscar, Tenemos Que Hablar De Kevin, estaría en primer lugar al quitarle la estatuilla a Tilda Swinton, la mejor actuación del año, así como la mejor película del primer semestre de este 2012. Las interpretaciones (realmente hay solo dos personajes importantes en toda la película) son brillantes. Tilda Swinton está mejor que nunca, y Ezra Miller aporta el carisma necesario. Dado que la cinta se centra en la introspección de estos personajes y tiende a evitar el morbo, el gore innecesario y los efectos de sonido, es a ellos a quienes hay que agradecerles que funcione tan bien. De lo que llevamos de año, ha sido una de las películas que más he disfrutado. Al principio los flashbacks están demasiado desordenados y eso desubica mucho, pero lo recupera finalmente. El final es tal vez un poco decepcionante, menos apoteósico de lo esperado, pero aún así, "We Need To Talk About Kevin" es una película con una fuerza psicológica suficiente como para recomendarla encarecidamente.



1.-Beasts of the Southern Wild 

La cinta “indie” del año y la mejor para su servidor. Hay momentos en el cine que están llenos de magia, en los que los sentimientos y las emociones que nos hace sentir una película trascienden su existencia como hecho audiovisual y nos sentimos parte de la historia que estamos experimentando. “Beasts of the Southern Wild”, la historia—vista a través de los ojos de una pequeña niña—de una comunidad costera enfrentada a una tormenta inminente, está llena de esos momentos. No me extenderé tanto como debe de ser hasta que sea su estreno comercial, pero me conmovió de sobremanera es un filme hermoso y poético, me recordó a un poema triste y doloroso pero a la vez luminoso. Una de las grandes joyas del año acompañada de la revelación infantil de la década, Quvenzhané Wallis. Un gran debut para un joven director, Benh Zeitlin, que hay que seguirle la pista.




sábado, 8 de diciembre de 2012


Moonrise Kingdom: la delgada linea de la madurez y la infancia.



Hablar de Wes Anderson es hablar de un estilo definido y propio. El director texano ha sabido crear su propio universo al igual que otros directores, teniendo una serie de elementos que hacen identificar fácilmente una cinta de su autoría. Con Moonrise Kingdom sigue fiel a su fórmula por lo que los amantes del universo Anderson no quedarán decepcionados. 

Años 60. La huida de dos jóvenes amantes de su pueblo natal lleva a sus familiares y amigos a salir en su búsqueda. Así, quedarán de manifiesto viejos rencores y ocultas relaciones románticas entre algunos de los personajes que participan en la búsqueda. 

Es algo complicado discutir sobre una película de Wes Anderson, ya que con sólo ver una de sus cintas se conocen a la perfección los rumbos y la forma de manejarse que tiene el director en cualquiera de sus películas, así como, todos los elementos narrativos en común que tendrán cualquiera de sus historias -–la paleta de colores pastel, Bill Murray, Owen Wilson y Jason Schwartzman--. Lo cierto es que a día de hoy ha conseguido ser uno de los cineastas más carismáticos e identificativos del panorama actual. En el estilo de Anderson está su perfeccionista elaboración de planos en las que prima el equilibrio y la simetría en el encuadre, su trato del color, o sus cuidados travellings sumados a una banda sonora repleta de temas con aroma muy vintage y una score que parece ser la música que acompaña a un cuento de hadas. Lejos de hacer de esto una losa y que con el tiempo llegue a resultar repetitivo, Anderson va afianzando y exagerando cada vez más este estilo tan propio aumentándolo película a película con una estética que en momentos parece diluirse en la línea del dibujo animado, dudando a cuál de los dos mundos pertenece todo, lo real o lo fantasioso. 

Dado que el cine del texano no es muy accesible para cualquier persona, el humor que Wes impregna a cada una de sus cintas es muy propio e íntimo, un sentido del humor que nunca nace del chiste si no que fluye a través del extravagante comportamiento de todos sus personajes, donde el gag visual resulta hilarante al juntarse con esa curiosísima puesta en escena. 

En Moonrise Kingdom estamos ante una fábula y un mundo paralelo que se divide solamente por la edad, mientras la historia principal es la de la pareja de tórtolos escapando de sus familias –que en momentos parece ser la fantasía que alguna vez pensamos hacer cuando éramos chicos-- del otro lado se encuentra la historia de los adultos; dónde se narran cuestiones como la rutina de la vida, infidelidad, soledad y otros problemas personales. Anderson entre mezcló los problemas que suelen ser "cosa de adultos" con la imaginación de los niños; logrando tener un exquisito mundo compartido entre la adultez e infancia. Recordemos que las historias del director suelen ser protagonizadas por adultos descompuestos que parecen niños, y aquí no es la excepción, mientras los niños protagonistas realizan papeles más que correctos –aplauso para los primerizos Jared Gilman y Kara Hayward--, Bill Murray, Frances McDomard, Bruce Willis y Edward Norton actúan como unos verdaderos adultos patéticos y perdedores –todo es intencional, cada uno trabaja de manera maravillosa--. 

La estética que posee Un Reino Bajo la Luna es una excelente dramatización perfecta de los años sesenta, inclusive, Anderson se tomó el tiempo necesario para elegir un reparto que tuviera la esencia de las películas de esa época, por nombrar a alguien, la protagonista parece sacada de una película setentera. Una dirección de arte perfectamente cuidada a detalle, acompañada de una excelente musicalización de chill out dirigida por Alexandre Desplant y colaborando superficialmente el talento emergente, Mark Mothersbaught –escuchen su composición dentro del soundtrack de Nick and Norah Infinite Playlist--. 

Quizás el único pero de la cinta es que no es disfrutable para cualquier persona, de ahí en fuera, es un trabajo más que correcto para el director más reputado de la comedia americana. Imprescindible.
Diego S.

P.D. Lloré de la risa con el gang de lo pendientes de bichos.


sábado, 17 de noviembre de 2012


The Master: un reparto de Oscar, una historia ambigua.

Una historia que deambula y deja al espectador sin una trama definida.

Considerado por muchos uno de los grandes talentos en el cine contemporáneo, Paul Thomas Anderson, regresa después de su descanso de 5 años, luego del éxito de There Will Be Blood (Petróleo Sangriento) era obvio que su próximo trabajo traería muchas expectativas. The Master ha sido un regreso acertado, más no superior a su anterior trabajo. 

Drama sobre la Iglesia de la Cienciología. Lancaster Dodd (Seymour Hoffman), un intelectual brillante y de fuertes convicciones, crea una organización religiosa que empieza a hacerse popular en Estados Unidos hacia 1952. Freddie Quell (Joaquin Phoenix), un joven vagabundo, se convertirá en la mano derecha de este líder religioso. Sin embargo, cuando la secta triunfa y consigue atraer a numerosos y fervientes seguidores, a Freddie le surgirán dudas. 

Para ser sincero admiro el trabajo del director, desde su poderoso retrato setentero sobre la alineación del poder en Boogie Nights, hasta Magnolia, ese tejido de historias sobre el perdón y la redención, sin embargo, The Master me dejó insatisfecho, me quedé con una sensación de que le faltaba algo. 

La cinta posee un excelente reparto, el problema no está ahí, la película tiene un enorme agujero argumental que mientras más avanza la historia se va perdiendo. ¿A qué me refiero con esto? The Master plantea muchas preguntas, pero no da respuesta a todo lo se exhibe, además de no tener un contexto claro. Vamos, llega un punto donde no sabes si The Master se trata sobre el visionado de la religión por un loco, o el retrato de las relaciones del poder; además, se podría agregar otro tópico que podría abordar la exploración de la mente de un obre obsesionado con el sexo. Pueden ser todos los temas, pero la trama tiene demasiadas ambigüedades ; es una obra que tiene una falta de orden y rigidez narrativa, que sólo se mantiene al –reitero—talento de actores, y aquí es donde posee su verdadero valor. El actor fetiche del director, Philip Seymour Hoffman, quien considero es un inmenso histrión y uno de los mejores actores de la actualidad, por otra parte Joaquin Phoenix da la mejor interpretación de su carrera, un personaje con un instinto animal adicto al sexo que mantiene una postura erquiga, Phoenix no sólo borda un personaje, se mete en él. 

No voy a demeritar los demás valores que tiene, ya que Paul T. Anderson sabe elegir a cada uno de los encargados de los aspectos técnicos en cada uno de sus trabajos –recordemos la banda sonora de Aime Mann para Magnolia por mencionar alguno—y en The Master no fue la excepción, Jhonny Greenwood --integrante de Radiohead-- vuelve tomar las riendas de la música y no lo hace mal, el problema es que la música le quedó grande al argumento de la historia y resalta más la música que las acciones en sí –no metas música que no va a la par con las situaciones, en ocasiones pretendía meter tensión en donde no lo había--. La hermosa fotografía es otro punto a resaltar, Mihai Malaimare Jr. Impregna a la película con un aire de nostalgia de los 50’s que están muy de moda, dándole una atmósfera complaciente y más que creíble. 

The Master no es mala, Paul T. Anderson crea un película fallida donde la ambigüedad para muchos críticos ha sido un cierto, pero para su servidor ha sido una historia que deambula y deja al espectador sin una trama definida.

Diego S.

domingo, 11 de noviembre de 2012


Argo un thriller adrenalínico con olor a Oscar.

Personalmente, Argo es una de las cintas que me han puesto más ansioso que nunca, llegando al punto de morderme las uñas.


Warren Beatty ha sido de los pocos actores que sea han metido en más de un aspecto dentro de la producción de una película, el buen Beatty llegó a ser guionista, productor, actor y hasta director en una de sus películas, obteniendo por el Oscar a Mejor Director en 1981 por Reds. Ahora --y no es que compare al buen WB-- uno de los actores recientes que se ha unido a los "actores mil usos” es Ben Affleck, aquel actor que fue considerado en algún momento “peor actor” en los premios Razzie, se ha hecho de un estatus gracias a sus 3 películas. Argo, será la película que lo reafirme como una gran promesa como director y que de seguir así, podrá ser ganador de un Oscar a Mejor Director. 

Argo nos lleva a 1979, a la conflictiva situación creada por el secuestro por parte de un grupo de iraníes de la embajada de los Estados Unidos en Teherán. Canadá y EEUU se verán forzados a unir fuerzas para conseguir infiltrarse en el país y rescatar a un grupo de diplomáticos atrapados tras el sitio. Ningún plan parece tener las suficientes probabilidades de éxito, y el “menos malo” que encuentran es introducirse alegando ser el equipo de rodaje de una película de ciencia ficción y camuflar a los diplomáticos como parte de los técnicos… 

Ben Affleck reafirma su eficiencia como director, tras la acertada Gone, Baby, Gone y el éxito de The Town adaptando un hecho histórico real con Argo, su tercera película.

La credibilidad de lo que se narra viene tanto por un despliegue técnico (maquillaje, vestuario, diseño de producción, fotografía, bso, etc.) de alto nivel que nos ubica en la época de los hechos de una manera excelente, así como por una recreación de las vivencias de los afectados mediante las interpretaciones de su equipo protagonista estupenda, donde brillan actores en papeles secundarios como Alan Arkin y John Goodman, amén de un trabajo de casting, que sumado a la caracterización regala un sorprendente parecido entre las personas reales y los personajes creados en Argo.

Pero nada de lo enumerado podría ser efectivo traducido al cinematográfico lenguaje sin un guión que atrapa al espectador, que nos hace viajar por la historia mostrando el retrato político y humano sin cargar el ritmo de la acción y una dirección de gran calidad que termina por trazar que el mejor Ben Affleck es aquel que se ubica detrás de las cámaras. 

Por alguna extraña razón lo más insípido de la película, es la historia independiente del papel de Affleck, nada de otro mundo si tomamos en cuenta que en su anterior cinta sucedió lo mismo; sin embargo, el actor se desenvuelve bien. 

Argo es un filme adrenalítico, y no lo es, por su montaje visual o sonoro, sino por la tensión y el ritmo que nacen de una situación límite bien exprimida. La historia que al final todos sabemos en qué termina, resulta ser un vieja donde la conclusión no es el premio, si no qué, el desarrollo es lo disfrutable. Personalmente, Argo es una de las cintas que me han puesto más ansioso que nunca, llegando al punto de morderme las uñas.

Como diría el dicho “La realidad supera a la ficción”, y en este caso, la historia y la magia del cine se funden de una hábil manera creando un thriller de primera categoría. Recomendable para todos aquellos amantes de las películas “basadas en hechos reales” pero bien adaptadas, del thriller, y, en general, del buen cine. Interesante.

Diego S.

domingo, 4 de noviembre de 2012


Cita de Sangre tiene la fórmula perfecta para los amantes del gore.


Me he topado con un sinfín de películas gore que su único fin es destazar al por mayor a los personajes que aparecen en la cinta, Hostal ha sido de las historias que más he disfrutado por su carga de gore y su atractiva historia. Existen filmes que además de tener un exceso de sangre, entregan buenas historias justificando la gran carga de tortura humana; una de ellas es Mártires. Cita de Sangre película australiana del 2009 que se alzó con distintos premios en los festivales donde se presentaba, se disfruta como una buena propuesta de gore y una historia entretenida. 

Brent, un joven de diecisiete años, rechaza una invitación de Lola, una de las chicas más apacibles de su instituto. Lo que no puede ni siquiera imaginar es que Lola y su padre lo secuestrarán y tendrá que luchar desesperadamente para sobrevivir a la macabra celebración que han preparado para él. 

Cita de Sangre es una mezcla de Carrie, y Misery con brochazos de "torture porn", de la que como mucho se puede esperar algo pasable, pero si se deciden a verla comprobaran que estamos ante una interesante y vacilona función que aunque no nos cuente nada nuevo, divierte, incomoda y entretiene con la acertada mezcla de ingredientes que logra un tal Sean Byrne --opera prima, dirección y guión--, hay humor negro y macabro, sobresaltos, y truculencias en las singularidades y para proceder a la parte psicópata y el grandioso final. 

El reparto está perfecto. Los protagonistas menos simpáticos lo bordan, sobre todo papi, que me recuerda al malvado cirujano de The Human Centipede. El protagonista se comporta tal y como esperamos tras su presentación, es coherente. La madre, que sin hablar transmite. Su novia, cumpliendo y regalando a los fans más jóvenes un par de minutos de erotismo que otros directores no consiguen, o no se atreven a mostrar. El amigo drogadicto y la gótica que sin aportar nada su historia realizan bien sus papeles. El personaje repulsivo de Lola el cual aplica todo lo perverso a la cinta, se define perfectamente durante el metraje: caprichosa, amorosa, egocéntrica, celosa, hedonista del dolor ajeno y consentida por un padre que no queda atrás, además de añadir la relación platónica-incestuosa que mantiene con su padre, peculiaridades que logran una psicópata disfrutable. 

Así, todos y cada uno de ellos, piezas que encajan a la perfección, más allá de que a la historia debamos criticarle uno o dos momentos --nada para lo que es este género-- de dudosa credibilidad, el resultado es muy satisfactorio y no te deja esa sensación de estafa que sientes al ver el 85% de las películas de su tipo. 

The Loved Ones, tiene la dosis perfecta de cada uno de los elementos de una cinta de gore, un gran psicópata, un buen protagonista, chichis y la duración perfecta. Disfrutable. 

Diego S.


lunes, 29 de octubre de 2012


Las Ventajas de Ser Invisible y las personas que te ayudan a salir de tu terrible existencia.

“¿Por qué la gente buena siempre se fija en la gente mala? Porque creen que es el amor que merecen” 

Siento una terrible adicción por las cintas de corte independiente, la mayoría que transpira ese aire indie me suele enganchar. Recuerdo perfectamente cuando Donnie Darko me robó el corazón con su trama pesimista y sus entonces desconocidos protagonistas, además de su grandioso soundtrack; tiempo después apareció Juno, cinta que tomaba una historia que en manos de algún otro director hubiera sido lo que cualquiera hubiera pensado sobre una adolescente embaraza, sin embargo fue todo lo contrario, Juno, fue una bocanada de aire fresco en las cintas de comedia adolescente y qué además aportó uno de los mejores soundtracks que he escuchado. Podría seguirle así con el conteo de cintas de corte independiente, pero el punto es otro. Las Ventajas de Ser Invisible es la Juno del 2012. 

La película se centra en Charlie (Logan Lerman) un jovencito que escribe una serie de cartas a una persona sin identificar en las que aborda temas como la amistad, los conflictos familiares, las primeras citas, el sexo o las drogas. El protagonista tendrá que hacer frente a su primer amor (Emma Watson), el suicidio de su primer amigo y su propia enfermedad mental, mientras lucha por encontrar al grupo de personas a las que él pertenece. 

Desconozco la obra en la que se basa la cinta, pero me da la confianza que el director Stephen Chbosky sea quien adapte su propia novela, ya que él sabe que es bueno dejar y qué eliminar para mantener la esencia del libro. 

Lejos de tratarse de una cinta del montón sobre la soledad de un joven inadaptado, Las Ventajas…toma cada uno de los clichés de la obra y los hace completamente suyos, tomando una posición de empatía con cada uno de los personajes. Tenemos al inteligente inadaptado interpretado por Logan Lerman, quien realiza una actuación muy acertada, salvo que en ocasiones se pasa de inocente, sin embargo, Lerman toca fibras dentro de muchas personas –me inlcuyo-- que no necesariamente tuvieron que pasar por algo similar a él, sencillamente es algo que enmarca la soledad cuando entras a un nuevo círculo social, nueva ciudad o la típica nueva escuela, son las ganas de ser tomados en cuenta dentro de una sociedad y fuera de nuestras familias. 

Emma Watson siempre será Hermione de Harry Potter, pero jamás se quedará opacada por ese papel, Watson fácilmente se deshace del papel que le dio la fama y nos da una actuación repleta de simpatía y llena de matices lo que nos dice que será una actriz sin encasillar –por alguna extraña razón me recuerda a Natalie Portman--. Apoyando al ‘perdedor’ protagonista aparece el simpático personaje interpretado por el grandioso, aterrador, fascinante, Ezra Miller, aquel muchacho que interpretó al demonio de mamá en Tenemos Qué Hablar de Kevin, se roba la película en cada toma que aparece, su personaje que reprime ante la sociedad su homosexualidad, no hace más que tomar a la ligera toda esa represión y rechazo para sacarlo de otra manera mediante bromas o ya sea, mediante su papel del Dr. Frank-N-Furter en The Rocky Horror Picture Show; tenemos que mantener la atención en Miller, su carrera promete mucho. 

Los personajes principales son personas que te puedes topar en cualquier lugar, personas que sólo buscan adaptarse a la sociedad y salir juntos todas las etapas de la vida, y este grupo de invisibles no es más que un grupo de rechazados que buscan su lugar dentro de la crueldad que implica en muchas ocasiones la escuela –bullying entre ellos--. 

Anteriormente había dicho que Las Ventajas…es la Juno del 2012, y en efecto, su soundtrack tiene la misma condición y los mismos productores. Dentro de la excelente selección de temas se pueden escuchar a The Smiths con Aslepp, David Bowie con Heroes , New Order con Temptation y bandas tan indie como Galaxie 500. Un magnífico soundtrack por personas que tienen “un exquisito gusto musical” como diría Sam el personaje de Emma Watson. 

En The Perks Of Being a Wallflower se tocan temas típicos de la adolescencia, las drogas tienen su momento, pero no es una prioridad, la exploración de la sexualidad también tiene su lugar sin ser el tema central, la baja autoestima y hasta el suicidio; la cinta incluye todo aquello que se encuentra en la cultura popular de la preparatoria para meternos en que lo invaluable de la vida son esas personas que encuentras en el camino y te sacan de los problemas; aquellos que te buscan en la mañana cuando la noche anterior les dijiste que desaparecieran, esos son los que sacuden tu aburrida existencia. 

La cinta será recordada por su excelente cast y sus inmejorables frases que se quedan plasmadas por su simpleza e infinita verdad. “¿Por qué la gente buena siempre se fija en la gente mala? Porque creen que es el amor que merecen” le dice el maestro a Charlie el protagonista. O la emotiva frase de Ezra Miller al protagonista “ves cosas, entiendes, eres invisible” refiriéndose a la nula popularidad de Charlie. 

Una cinta que no pretende dar respuestas a los temas de la vida, sino que, trata de exponer los temas para enfrentarlos con la sensibilidad requerida. Simplemente imprescindible. 

Diego S.

domingo, 28 de octubre de 2012


Silent Hill 2 La Revelación, una secuela incoherente y poco trascendente.



Las adaptaciones siempre han estado a la orden del día, novela que tiene éxito es casi seguro que lleve a la pantalla grande. Hollywood no sólo adapta novelas y juegos de mesa, desde hace años también le ha entrado a llevar vídeo juegos al cine; prueba de eso, Resident Evil, franquicia que ha sido la más prolífera en la meca del cine y que ya va por su sexta secuela. Silent Hill se estrenó hace seis años con resultados medianos por aprte de la crítica y los aficionados del juego. Ahora regresa con una secuela titulada, Silent Hill La Revelación 3D. 

Cuando cumple 18 años, Heather Mason decide buscar a su padre. Las pesadillas que la acechan la conducen a la ciudad de la niebla eterna, donde acabará descubriendo el misterio de Silent Hill. Secuela de la película Silent Hill, basada en una saga de videojuegos homónima. 

Los juegos de vídeo de survivor horror han sido desde los más exitosos en la historia, no por nada Resident Evil se ha mantenido ya con 5 películas, era más que obvio que después del éxito obtenido de la saga zombi Silent Hill se trasladara a la pantalla por el éxito del que goza la saga del pueblo de la niebla eterna. Las expectativas eran altas, sin embargo, la adaptación fue de mediana calidad y muchos de los fans se vieron decepcionados. Seis años le tomó a Lions Gate levantar el proyecto, tiempo, que posiblemente le haría bien a los guionistas para adaptar con mayor fidelidad la esencia del juego, no obstante, lo único bueno que había logrado la primer entrega se vio mermada por una cinta mediocre que entrega todo “peladito y en la boca”, cosa que no ocurría bajo el misterio que mantenía la primer parte. 

Silent Hill La Revelación tiene una historia incoherente, dado que es la continuación directa de la cinta estrenada en 2006, no se encuentra una conexión estable respecto a la anterior, el cambio de nombre por parte de la protagonista, el regreso a la vida de la pequeña y la muerte de la madre jamás lo explican de lleno, todo no tiene un porque, todo sucede porque si. 

La situaciones tétricas son pocas, Silent Hill le daba su momento de terror a cada uno de los demonios habitantes del pueblo, La Revelación, al parecer le quitó todo lo tétrico a los monstruos y sólo los metió de relleno –ver al verdugo pedalear el carrusel no tienen madre--. Por otro lado los efectos especiales lucen cero aterradores y poco realistas, sin duda el premio mayor a lo falso se lo lleva la batalla final de la película –cuando la vean me darán la razón--. 

Cabe destacar la utilización de la música original del vídeo juego compuesta por Akira Yamaoka, guiño que se agradece a pesar de no encajar con la cinta en general. 

Un guión flojo con diálogos rebuscados y personajes poco atractivos. Silent Hill 2 sólo vino a degenerar lo poco rescatable que tenía el inicio de la saga, dejando una terrible decepción para los amantes de la saga y del terror en general.

P.D. Esperaba una mejor escena con las enfermeras.

Diego S.

jueves, 18 de octubre de 2012


Después de Lucía, su gran logro: servirá como apoyo educativo para erradicar el bullying.

Cinta inflada por el buzz de los premios y completamente olvidable.


El cine mexicano tuvo un estancamiento en la pasada década, para inicio de los 2000 aparecieron ciertos directores que marcaron una nueva etapa en el cine nacional. Carlos Reygadas es el mayor exponente de los últimos años, guste o no, el mexicano ha creado una escuela que le ha dado reconocimiento en un sinfín de festivales. Siguiendo el estilo de Carlos, Michel Franco presenta Después de Lucía, cinta que salió triunfante en Cannes en el aparatado “Una cierta mirada”. 

Tras perder a su madre Lucía, la joven Alejandra (Tessa Ia) se muda junto con su padre Roberto (Hernan Mendoza), depresivo por la pérdida de su esposa, desde la costera Puerto Vallarta hasta la capital México D.F., intentando cambiar de vida en otro sitio lejano. En la capital ella es nueva en su colegio, donde pronto comienza a tener problemas. El padre tiene un nuevo trabajo. Pero empezar de nuevo siempre es complicado cuando se ha dejado tanto atrás. 

Después de Lucía deja muy clara la postura que tendrá durante todo el metraje, una visión real de un acontecimiento tan familiar y planos cerrados que colocan al espectador a manera de voyeur. 

El promocionar una película que ha recaudado premios en los festivales que se exhibe, siempre resulta una buena promoción, y aún más, cuando se trata de una película mexicana. La cinta de Michel Franco se ve altamente beneficiada por el premio obtenido en Cannes, además de sumarle la promoción por parte del gobierno de Calderón y la obvia nominación para representar a México en los Oscar. ¿Por qué comento esto? Todos estos factores crearon demasiadas expectativas –al menos a su servidor--; lo siguiente es más que obvio. Después de Lucía resultó ser una película cruda y muy cercana a muchos de nosotros –claro, todos nos hemos topado con un caso de bullying--, sin embargo, esa familiarización nos hace que todo sea tan predecible y sin ninguna sorpresa. 

Alguna vez me he dicho a mi mismo que ante la falta de ideas y los interminables remakes “si me vas a contar lo mismo, mínimo esfuérzate en hacerlo con otras palabras”. Michel Franco cuenta una historia que se ha contado en infinidad de programas del corazón del duopolio televisivo del país, no arriesga en las situaciones ni en su estilo, simplemente se limitó a manufacturar una película hecha para ganar premios, lo mejor, lo logró. 

Después de Lucía tiene el síndrome de “la película de terror sobre posesiones”, pretende evitar toda la obviedad con un final inesperado y que se siente demasiado forzado –y de risa--. 

Sólo me limitaré a destacar el atinado reparto, cada personaje que te topas en la escuela está bien resuelto, las chicas populares, el guapo, el gordito buena onda y el payaso, pero sin dudarlo la protagonista es quien rescata la película, Tessa Ia, tiene un interesante desarrollo de su personaje que se quiebra al momento del acoso escolar, al principio te plantean a una jovencita que no sé ve afectada por la reciente muerte de su madre, que además, maneja una insolente relación contra su padre, el cual se ve severamente afectado por la pérdida de su esposa; para luego, de un momento a otro ser completamente destrozado por un puñado de adolescentes. El problema no es la actriz, quien reitero, realiza una más que acertada interpretación, el problema es del incongruente guión. 

Después de Lucía no termina por ser moralista –cosa que se agradece-- ni en enjuiciar a sus protagonistas, esa labor la deja al espectador en su papel vouyerista, lo cual puede terminar en un debate al término de la película. 

Michel Franco ha logrado algo: Después de Lucía será la cinta que servirá para proyectarse y educar a los estudiantes sobre el problema del bullying; de otra forma no trascenderá.

Diego S.


miércoles, 17 de octubre de 2012


Asesino del Futuro, el brillo de la ciencia ficción.

Looper no tiene como eje central el futuro, metafóricamente te dice, la importancia en la vida no sólo es lo que viene.

La ciencia ficción no ha sido de uno de los géneros favoritos, reconozco que hay joyas como la emblemática Blade Runner y la clásica de culto, Odisea 2001 de el buen Kubrick, pero en este rubro de la cinematografía se ha dificultado encontrar una favorita. Asesino del Futuro es la nueva cinta de Rian Johnson, director de la cinta de culto, Brick, que en esta ocasión presenta una historia futurista y de ciencia ficción con la que sigue una racha grandiosa en su pequeña filmografía. Quedé fascinado con Looper. 

Como en 2072 los asesinatos están terminantemente prohibidos, las víctimas son enviadas a través de una máquina del tiempo al pasado (2042), donde los Loopers, un grupo de asesinos a sueldo, se encargan de eliminarlas y deshacerse rápidamente de sus cuerpos. El problema surge cuando Joe (Gordon-Levitt), uno de los Loopers, recibe desde el futuro un encargo muy especial: eliminarse a sí mismo (Bruce Willis). 

No me apresuro al decir que Asesino del Futuro será la mejor cinta de ciencia ficción del año que está por terminar. Looper tiene grandes cosas por cuales destacar, su sólido guión, el gran reparto y su particular mundo futurista.

Estoy encantado con el guión porque, sacando un detalle que le impide la perfección, ha sido elaborado inteligentemente como un rompecabezas lleno de detalles correlacionados para que el espectador arme el acertijo; luego de la informativa primera media hora de la cinta y vaya organizando las piezas, sin embargo, cuando uno cree poder predecir lo que va a pasar, la historia te desbarata el rompecabezas con un cambio narrativo y te obliga a rearmarlo o simplemente a esperar el desenlace, que en todo caso es absolutamente insospechado. 

El cast es más que sólido. Generalmente las cintas de acción contemporáneas se centran más en entrar en los estereotipos del macho que todo lo puede, explosiones, armas futuristas y persecuciones, Looper las tiene, pero no como los fans de las cintas clásicas de Bruce Willis, quién realmente se desenvuelve y entrega un papel convincente con la esencia que lo caracteriza. Joseph Gordon Levitt quien hace la versión joven de Willis, contrarresta la parte de Bruce, interpretando la parte dramática del personaje, además de actuar perfectamente al calcar gestos y movimientos del actor de Duro de Matar. Lo interesante de el dúo es que ambos complementan a una sola persona, y que explícitamente lanza un interrogante ¿Realmente al crecer nuestra ética mejora o se mantiene fiel a nuestras ideología jovial? Pero aún más importante, Looper es una cinta con corazón, ya que termina mostrando que el egoísmo es algo tan propio de la condición del humano, y que en Asesino… se vence a través de la redención por el amor más puro que puede existir entre humanos. Emily Blunt demuestra que está creciendo dramáticamente entregando a una mujer fuerte y protectora con su querido hijo Cid, quien pertenece al selecto grupo de los niños del demonio –no les diré porque, pero simplemente es un papel fundamental que interpreta perfectamente el niño Pierce Gagnon--. 
Destaquemos la excelente ambientación, la cual me hace recordar al escepticismo futuro que hizo Children Of Men, y sus grandes similitudes al mundo actual, donde los ladrones y las mafias son quienes viven la buena vida, mientras la gente de bien está podrida en la pobreza. Lo futurista no sólo se ve en las máquinas del tiempo, sino que, la telequinesis aporta el suspenso y lo sobrenatural en algunas escenas –excelentes por cierto--. 

Looper no tiene como eje central el futuro, metafóricamente te dice, la importancia en la vida no sólo es lo que viene, el pasado determina lo que serás en el futuro, mientras las acciones presentes determinaran tanto tu pasado y futuro. 

Cabe destacar, que el escenario donde se deshacía de “los futuros” era en campos de siembra, y es curioso, ya que la siembra es un símbolo de trabajo, mientras trabajes bien la tierra y el producto se creará una buena cosecha, de lo contrario, todo puede terminar en la pérdida de la siembra. Excelente metáfora. 

Looper es una excelente película de ciencia ficción, una joya. Desde sus magníficas interpretaciones y personajes, sus escenas de acción bien elaboradas, intensas y emocionantes, el tremendo y brillante guión, su contenido moral y dramatismo, su casi nula previsibilidad, hasta la ideal conclusión, que no hace más que cerrar con broche de oro una gran película. Imprescindible.


Diego S.

martes, 16 de octubre de 2012


Frankenweenie, el regreso de un director que se creía muerto.

Tim Burton entrega una de las cintas más personales y mejores cintas de su filmografía


Hay directores que han tenido un alcance mediático tan grande que se han posicionado ya en un estatus de rockstar, tal es el caso de Tim Burton, que a raíz de su Alicia, alcanzó a cada uno de los miembros de la familia. Hoy en día todo mundo sabe que ha hecho Burton y ubican perfectamente sus obras. Sin embargo, con sus últimos trabajos los cinéfilos han extrañado la época de oro , etapa donde surgieron cintas como: Ed Wood, El Joven Manos de Tijeras y El Gran Pez; con Frankenweenie, retoma su buen manejo del stop motion y las historias que lo hicieron LA sensación. 

Frankenweenie está basada en el cortometraje homónimo que el propio Burton realizó en 1984. El experimento científico que lleva a cabo el pequeño Victor para hacer resucitar su adorado perro Sparky, lo obligará a afrontar terribles situaciones cuyas consecuencias son imprevisibles. 

Burton no ha cambiado en estos casi 30 años –casi--, en el corto original se podía ver claramente lo que sería su cine, en 1984 le costó el despido de Disney porque su visión tétrica no era apta para el público infantil. Ahora es la misma empresa que lo despidiera quien toma su antigua historia. Burton regresa a su etapa que tanto echábamos de menos, y al parecer, la visión de aquel veinteañero no ha cambiado realmente mucho; ahora Frankenweenie es un producto totalmente apto para toda la familia, el problema de Burton en aquel momento fue adelantarse a su tiempo. 

En esta adaptación sobre su propio material Burton no se ha limitado a estirar lo ya ha hecho, si no que a partir de lo su trabajo ha desarrollado una historia mucho más madura. El corto de Frankenweenie hablaba de cómo afrontar las perdidas a una temprana edad. Aquí Burton va un paso más allá, y sin olvidarse nunca de que en el fondo la historia no deja de ser una relectura de la obra de Mary Shelley –para los desubicados, la escritora de Frankenstein-- , la película se convierte en una bonita y triste oda al cine de terror clásico, llena de referencias a los monstruos clásicos, lanzada con una mirada nostálgica para aquel precioso blanco y negro. 

Sólo podría destacar maravillas, tanto técnicamente como su excelente guión, Burton se ha proyectado tanto en sus películas, que al parecer Frankenweenie es parte de una etapa donde el mismo director se sentía extraño en un mundo dónde todo lo diferente era malo. 

Burton cuenta una historia triste, bonita y melancólica, lo hace con mucho sentido del humor, sin olvidarse de sus característicos personajes secundarios como ese Edgar E. Gore que parece un hijo de Quasimodo, o llenando a la película de monstruos en su recta final de la forma más divertida y poco común, pero sin olvidarse nunca de que la historia principal es la historia de un niño incapaz de enfrentar la muerte. 

Técnicamente está impecable, la cinta está manufacturada como una película de la época del cine mudo acompañada de la impecable banda sonora compuesta por su siempre fiel, Danny Elfman. Punto y aparte para el sountrack titulado, Frankenweenie Unleashed!, que no es más que una exquisita gamma de sonidos muy al estilo de Burton; Karen O se luce con el tema Strange Love. 

Tim Burton entrega una de las cintas más personales y mejores cintas de su filmografía, una obra que nos habla de la retorno de un genio que muchos dábamos por muerto.

Diego S.


sábado, 6 de octubre de 2012


La Cabaña Del Terror, indiscutiblemente la mejor película de terror del año.

The Cabin In the Woods come de The Evil Dead, se siente como Viernes 13, se ríe como Scream y termina con H.P. Lovecfrat.


Alguna vez por allá en el año 1996 surgió una cinta llamada Scream, dicha cinta fue la que trajo de regreso al cine slasher luego de un estancamiento terrible. Scream resaltó por su originalidad y su perfecta dosis de humor negro, poco terror y escasa sangre –al principio, después la sangre fue en aumento--; Scream trajo consigo una moda y un sinfín de copias queriendo emular su éxito. Nuestra moda actual es el regreso de found foutage que ya tiene su tiempo en carteleras. Para refrescar el terror, slasher, comedia y cine ochentero, aparece de la nada La Cabaña Del Terror, indiscutiblemente la mejor película de terror del año. 

Cinco adolescentes se preparan para pasar el fin de semana en una remota cabaña, situada en un bosque, sin medios de comunicación con el exterior. En el sótano encuentran una extraña colección de reliquias y, entre ellas, un diario que habla de la antigua familia de psicópatas que ocupó la casa. Lo que no sospechan es que están siendo observados y que su vida corre peligro. 

Una rubia zorra/tonta y su novio el atleta, el bromista o tonto, el inteligente y la inocente, clichés de muchas cintas que son atormentados por un asesino en serie o fantasma, para reinventar todos los arquetipos del género se necesitaba creatividad, Josh whedon logró lo que parecía imposible. 

The Cabin In The Woods realiza un collage de todo lo que se ha venido contando en el cine de horror, prácticamente emplea todos los ingredientes teniendo como resultado una mezcolanza de géneros y una infinidad de referencias tanto cinematográficas como literarias, cosa que termina por desconcertar a muchos espectadores que no estén familiarizados con todo lo que se juega. 

La Cabaña Del Terror es juguetona, simpática y sangrienta --por lo que a mí respecta es precisamente la vuelta de tuerca a los “trillados” géneros lo que me ha resultado más agradable--, la cinta es de las pocas que te dejan en la incertidumbre, conoces lo que está pasando pero al final te hace dudar en todo lo que ves. Simplemente la película sólo sigue su eslogan “crees que conoces la historia, crees conocer el sitio…piensa de nuevo”. 

La película dirigida por Drew Goddard come de The Evil Dead, se siente como Viernes 13, se ríe como Scream y termina con H.P. Lovecfrat. The Cabin…complace a todos los fanáticos del género con: monstruos, zombis, asesinos, fantasmas…y un interesante cameo. 

El guión, que aparentemente deja claro desde el principio lo que estamos viendo, no para de dar giros --algunos lo tildarán de caprichoso y por tanto lo tanto destrozarán-- que consiguen desconcertar y mantener la atención constante de principio a fin. Por su parte la dirección --la cual es más que digna-- no puede evitar la sensación de producto de serie b como consecuencia de un presupuesto modesto, pero un montaje de ritmo endiablado y una fotografía y música superiores a lo que es habitual en el género, todo esto hacen que la cinta se eleve notablemente. 

Estamos ante una película que sin dudarlo en un par de años se volverá de culto, al nivel de toda la horda de cintas ochenteras. Aficionados del género, estamos ante la mejor película de terror de los últimos años, por favor, no la dejen pasar. Imprescindible.

Diego S.


sábado, 29 de septiembre de 2012


Dredd 3D: Excelente 3D, fascinante adaptación y grandiosa película de acción.

Dredd opta por un estilo ochentero y una atmósfera oscura que son más que aptas para una historia cruda y desarrollada entre los bajos mundos de las droga.


Los reboots están más que vistos hoy en día, no tiene que pasar ni una década para retomar la historia o los personajes, tal es el caso reciente de Spiderman. Hace más de 15 años se estrenó Dredd, estelarizada por Silvestre Stallone, cinta repleta de momentos cómicos y escasa violencia que no capturó nunca la esencia de una cómic violento y sumamente explícito, ahora después de algunos años y con la ayuda de la tecnología, Dredd, regresa en una adaptación fiel y repleta de acción. 

En un futuro cercano, Norteamérica se ha convertido en un páramo asolado por la radiactividad. Una única y gran megalópolis se extiende a lo largo de la costa este: Mega City 1. Esta inmensa y violenta urbe cuenta con una población de más de 400 millones de personas, cada una de las cuales es un infractor en potencia. Los encargados de acabar con el caos e imponer el orden son unos individuos que actúan a la vez como agentes de la ley, jueces, jurados y verdugos. Al frente de ellos está Dredd (Karl Urban), una leyenda viva de la justicia que vive entregado por entero a hacer cumplir la ley. En una misión aparentemente rutinaria junto a Cassandra Anderson (Olivia Thrilby), una juez novata dotada de grandes habilidades psíquicas, se disponen a investigar un homicidio en un peligroso rascacielos de 200 pisos de altura, controlado por el clan de la despiadada Ma-Ma (Lena Headley). Pero al intentar arrestar a uno de los principales secuaces de Ma-Ma, ella cierra a cal y canto todo el edificio y ordena a sus hombres que capturen a los jueces. La lucha por la supervivencia, obligará a Dredd y Cassandra a actuar de manera implacable. 

Dredd me ha gustado tanto que es muy posible que la vaya a ver de nueva cuenta; es una película que termina ganándote visualmente –ok, gracias Matrix-- desde el minuto uno y nos atrapa aún más con una historia directa y al grano, sin buscar sub tramas de relleno para aumentar la duración de la película y sin que se vuelva tediosa o aburrida. Todo lo contrario, la película no tiene ni un solo momento aburrido, no te da ni un respiro, no te deja relajarte, siempre pasa algo interesante, siempre hay algo que ver y eso no lo logra cualquier película. 

El reparto encabezado por Karl Urban –lo recuerdo mucho por Barco Fantasma—y Olivia Thrilby –Sí la amiga-animadora de Juno—no son un Chris Evansa, ni un Christian Bale, sin embargo, resaltan por sus correctas actuaciones en especial Urban; quien entrega un personaje duro, inexpresivo, violento y que sólo vive y respira la ley, mientras Thrilby es la parte consiente y humana del dúo.Punto y aparte para una villana que sin mover ni un dedo logra caernos mal con gestos y miradas. 

Es vital hablar de los dos puntos más fuertes de la película: el 3D y el sonido.
El 3D es el mejor que he visto hasta la fecha –la mejor manera de sacarle provecho a la cámara lenta-- , el hecho de que sea todo digital ayuda a un 3D que es espectacular; inunda la pantalla y la sala de cine con unas imágenes increíbles. El sonido es alucinante; te deja sin palabras, todo ello acompañado con una música que hace que te metas en la película y que sientas que estás en Peach Trees, nos acompaña todas las escenas, encajando en cada una de ellas con la música ideal. 

Dredd opta por un estilo ochentero y una atmósfera oscura que son más que aptas para una historia cruda y desarrollada entre los bajos mundos de las droga, ¿El punto incómodo? La violencia explícita. Muchos en la sala se llegaban a tapar los ojos para evitar ver los cuerpos descuartizados y los chorros de sangre que salpicaban gracias al 3D, pero nada en Dredd es gratuito, la violencia se encuentra en su lugar, así como los ambientes coloridos en un programa infantil. 

En definitiva, una gran película, que desde mi punto de vista hace que todo lo visto éste año por el mundo Marvel me parezca estúpido, rancio y repetitivo. Lo malo es que pasará sin pena ni gloria por cartelera. 

Por úlitmo, un dato importante, Dredd costó cerca de 40 millones de dólares, lo que deja claro que se puede hacer una película de acción fiel al cómic y con gran calidad digital y 3D, entonces ¿Por qué hay grandes producciones de Hollywood como Batman o Battleship que teniendo un guión normalito y efectos buenos, tienen un presupuesto de 200 millones? No tendré la respuesta, pero dejo la incógnita en el aire. 

Resumiendo, una gran película de acción, con efectos brutales y un 3D y sonido que son de lo mejor que he visto; el guion sin ser nada del otro mundo tiene más chicha de lo esperado. Es una gran adaptación del cómic y deja a la película de Stallone del 95 (de éste mismo personaje) en algo ridículo. Recomendable.

Diego S.